Eine kurze Geschichte der Piano Company

Die Chickering-Brüder aus Chicago waren eine kurzlebige Klavierfirma aus dem frühen 20. Jahrhundert. Obwohl sie so kurze Zeit im Geschäft waren, machten sie das wieder wett, indem sie eines der besten Klaviere schufen, die meiner Meinung nach je hergestellt wurden – The Acoustigrande.

Das Patent zeigt, dass sie den Winkel des Rückens des Klaviers geändert haben, um einen größeren Resonanzboden in der Breite zu schaffen. Die Magie war, dass es nicht größer aussah.

Chickering Brothers, nicht zu verwechseln mit der Chickering & Sons Piano Company aus Boston. Die Chickerings beider Firmen waren miteinander verwandt, und Clifford Chickering hatte sogar sieben Jahre in der Chickering and Sons-Fabrik gearbeitet, bevor er seine eigene Firma gründete.

Er wurde aufgefordert, eine Zeichnung fertigzustellen, an der Frank Chickering (Onkel und Besitzer von Chickering & Sons) vor seinem Tod arbeitete. Clifford hat einige Neuerungen in die Zeichnung aufgenommen, die zur Acoustigrande führten.

Neben der Breite bietet es auch eine neue Möglichkeit, den Rand zu verjüngen, um ihn an die Verjüngung des Resonanzbodens anzupassen und den Klang zu verbessern.

Clifford wurde sehr geschickt in der Klavierakustik, und er beschließt, sich selbstständig zu machen, und zieht mit seinen Brüdern nach Chicago.

Die Tragödie nach Clifford, seinem Bruder Fred, stirbt, dann auch Wallace, und gleichzeitig verurteilt die Stadt Chicago das Chickering-Gebäude wegen Straßenverbreiterung. Während er mit seinen Onkeln um die Verwendung des Chickering-Namens im Zusammenhang mit dem Klavierbau kämpfte.

Am Ende verkauft er seine Firma an Ampico und kehrt schließlich zu Chickering and Sons zurück, um deren Vizepräsident zu werden.

Charles Baumeister war ein erfahrener Klavierbauer, der 1844 in Frankfurt geboren wurde und um 1867 mit seiner Frau Ida in die USA gezogen war.

1884 arbeitet er mit Augustus Baus (einem Angestellten der Behning Piano Company) zusammen, um unter dem Namen Baus Klaviere herzustellen. Da er sehr erfinderisch war, meldete er 1885 mehrere Patente für die Entwürfe ihrer Klaviere an.

1886 wurde das Geschäft durch einen Brand völlig zerstört und Charles entkam fast mit seinem Leben, um seine Angestellten zu retten. Er wurde wegen seiner Verbrennungen ins Krankenhaus eingeliefert.

Das Feuer zerstörte das Unternehmen und sie mussten 1887 Insolvenz anmelden. Baumeister findet eine Anstellung bei der Claflin Piano Company.

Neun Jahre später, 1896, gründet Charles seine eigene Klavierfabrik und bildet seine beiden Töchter Hattie und Lillian aus.

1897 stellt Charles sein „Orchestral Grand Model C“ vor, ein großes Klavier, das zu einem guten Verkäufer des Unternehmens wurde.

 

 

Um das Unternehmen zu vergrößern, stellt Charles einen Verkäufer namens Reinhard Kochman ein, dessen Aufgabe es war, das Land zu bereisen, um den Umsatz zu steigern. Dies war in dieser Zeit eine gängige Praxis und eine wirksame Werbemethode.

Im Jahr 1898 verkauft Charles, der inzwischen in den Ruhestand geht, die Firma an seine Tochter Hattie, und der Name der Firma ändert sich in H. Baumeister Co. Dies macht diese Firma möglicherweise zur ersten Klavierfirma in Frauenbesitz

1899 beschließen Hattie und Lillian, einen Monat lang Urlaub zu machen. Das Unternehmen war inzwischen gut etabliert und hatte mehrere Jahre ohne Freizeit gearbeitet. Sie nutzten auch die Gelegenheit, um den Umsatz in Europa zu steigern.

„Dieses Klavier (steht neben einem Strich & Zeidler-Klavier) ist ein minderwertiges, billiges Klavier mit der schlechtesten Verarbeitung, das von einem unbekannten Unternehmen hergestellt wurde, das sich in Schwierigkeiten befindet und kurz vor dem Bankrott steht. Letzte Woche eine Notiz dieser Firma von fünfhundert Dollar gingen, um zu protestieren “

Dies wurde ein berühmter Fall im Klavierhandel. Die Gerichtsverhandlung wurde durch die Tatsache unterstrichen, dass Strich & Zeidler eines ihrer Klaviere im Gerichtssaal zerlegte, um ihre hohe handwerkliche Qualität zu demonstrieren. Dies führte dazu, dass sie bestätigt wurden und 5.000 US-Dollar Schadenersatz erhielten (heute ca. 125.000 US-Dollar).

Strich- und Zeidler-Klaviere sind von höchster Qualität und restaurierungswürdig.

Weitere Hinweise:

1915 – Sie feiern ihr 25-jähriges Jubiläum bei der Herstellung von Klavieren.

1916 – Die Firma gründet.

1917 – Strich und Zeidler liquidieren unerwartet und schließen ihre Türen.

1921 – Willian Strich wird wegen eines Autounfalls für ein Jahr ins Krankenhaus eingeliefert.

1922 – Zeidler entwirft Klaviere für Kohler und Campbell.

1926 – Zeidler entwirft Klaviere für Lester, 3 Ständer (einschließlich des Betsy Ross Spinet) und 6 Flügel.

1929 – Paul wird in einem ganzseitigen Artikel mit dem Titel „Piano Scale Drafting Now a Matter of Science“ vorgestellt, in dem er das Kopieren, Erraten und die Weiterentwicklung von Pianoskalen behandelt.

Tipps zur Suche nach einem professionellen Produzenten

Einige der historischsten und erfreulichsten Erlebnisse haben im Studio stattgefunden. Die Einstellung, in der „die Magie passiert“. Diese Magie wäre jedoch ohne einen Produzenten nicht möglich. Ob sie arrangieren, vorschlagen, spielen, programmieren, konstruieren oder einfach nur motivieren. Ich habe mit allen möglichen Produzenten zusammengearbeitet und gelernt, dass jeder seinen eigenen Ansatz, Stil und Glauben hat. Was macht den „richtigen“ Produzenten aus? Dies ist ein sehr subjektives Thema, das auf musikalischer Leitung, Budget, Vorlieben und Chemie basiert. Aber eine allgemeine Faustregel ist, dass einige der besten Produzenten einfach wissen, wie sie das Beste aus Ihnen herausholen. Der richtige bringt Sie auf ein Niveau, das Sie nie für fähig oder möglich gehalten hätten. Obwohl der Lebenslauf eines Produzenten ein guter Hinweis auf das Kaliber oder die Expertise seines Produzenten sein kann, lassen Sie sich nicht immer täuschen, dass er zu Ihnen passt. Zum Beispiel hat ein Produzent wie Steve Albini mit einigen der größten Rock-, Alternative Rock- und Independent-Acts zusammengearbeitet, wäre aber wahrscheinlich nicht das beste Match für eher urbane Musik wie Hip-Hop und / oder R & B. Auch der Erfolg eines Produzenten wird offensichtlich seine Rate beeinflussen, obwohl es einige Ausnahmen gibt, bei denen ein Produzent sehr stark an das Projekt glaubt und sich bereit erklärt, nach Spezifikation aufzuzeichnen.

In Studioumgebungen dient die Atmosphäre als Landschaft für die Schaffung der Kunst. Einige Produzenten haben ihre eigenen Studios, während andere gerne für bestimmte Zwecke in bestimmte Räume springen. Gehen Sie zum Beispiel in ein Studio mit einem großen Raum, der sich hervorragend für Schlagzeug eignet, oder an einen anderen Ort, an dem der Klang gedämpft ist und sich ideal für sauberen Gesang eignet. In jedem Fall sind die beste Ausrüstung und die richtigen Sounds sehr wichtig, da sie den Aufnahmeprozess stark beeinflussen. Dies würde High-End- oder Vintage-Konsolen sowie Instrumente umfassen, die gut gepflegt und klanglich substanziell sind. Heutzutage gibt es eine gute Mischung aus Low-Fi- und High-Fi-Produzenten, aber Sie müssen nur entscheiden, was am besten funktioniert, um Ihren Musikstil darzustellen.

Audio-Mastering ermöglicht es einem professionellen Techniker, die Demonstration aufzunehmen. Mit der notwendigen Ausrüstung und Software kann man Perfektion erlangen. Bevor Sie einen Fachmann einstellen, der ein solches Mastering durchführen kann, müssen Sie bestimmte Vorzüge berücksichtigen, die der Fachmann besitzen sollte.

– Ein geschultes Ohr – Der Fachmann, der die erforderlichen Korrekturen vornehmen würde, sollte Erfahrung in dem haben, was er tun soll. Sie sollten die Fähigkeit haben, zwischen dem eigentlichen Lied und den unerwünschten Hintergrundgeräuschen zu unterscheiden.

– Gute Kommunikation – Da es sich um das Produkt des Kunden handelt, sollte der eingestellte Fachmann in der Lage sein, mit demjenigen zu kommunizieren, für den er arbeitet.

– Vertrautheit mit dem Gerät – Der Fachmann, der das erforderliche Mischen durchführen würde, sollte sicherstellen, dass er mit dem Gerät sowie der Software vertraut ist, die zur Verbesserung der Musikqualität beiträgt.

– Fähigkeit, den Kunden neue Dimensionen erkunden zu lassen – Ein Fachmann, der sich mit dem Beherrschen von Musik und Audiokompositionen befasst, verfügt über Informationen zu verschiedenen Aspekten der Musik.

 

 

Die komfortable Phase.

Jeder Produzent hat es durchgemacht und wenn ein Produzent Ihnen sagt, dass er es nicht getan hat, lügen sie. Die Komfortphase ist etwas, das genauso, wenn nicht sogar häufiger als die Blockade eines Kreativen / Schriftstellers sein kann, allein aufgrund der Prinzipien, wie wir arbeiten. Manchmal finden wir als Produzenten einen Sound, den wir mögen. Dies ist vielleicht nicht „unser“ Sound, aber es ist etwas, von dem wir jederzeit glauben, dass wir in eine Session gehen und etwas in dieser Soundtasche machen könnten. Jetzt passiert manchmal, dass wir uns so sehr auf diesen Sound festlegen können, dass wir es uns bequem machen, die Besetzung von Zeit zu Zeit mit demselben Skript zu ändern, metaphorisch gesehen.

Je länger Sie in dieser für Sie einfach zu erstellenden Klangtasche bleiben, desto mehr beschränken Sie sich. Während es wichtig ist, Ihren Stil zu kennen und zu wissen, was für Sie als Musiker funktioniert, müssen Sie sich weiter verzweigen, um Ihren Geist zu trainieren, damit es nicht in den gleichen Kadenzen und Mustern funktioniert, wenn Sie an Musik arbeiten. Was nach einiger Zeit passiert, ist, dass Ihnen die Ideen in diesem Sound ausgehen und Sie manchmal in den Gedanken geraten, dass Sie als Produzent nichts anderes machen können.

Ein Mentor von mir sagte mir: „Ein kreativer Block ist die Art und Weise, wie mein Verstand mir sagt, ich solle nach draußen gehen.“ Manchmal ist das alles, was wir brauchen, eine Pause vom Verlies und eine Tiefe. tiefer Atemzug frischer Luft. In anderen Fällen könnte es etwas mehr sein. Manchmal müssen wir im Studio einfach etwas anderes ausprobieren & experimentieren; Die besten Musiker und Instrumentalisten auf technischer Ebene kamen nicht dorthin, indem sie das spielten, womit sie sich die ganze Zeit wohl fühlten. In jedem Fall ist es meiner persönlichen Meinung nach der beste Weg, einen kreativen Block zu überwinden, das Leben zu erleben und zu meiner Arbeit zurückzukehren, wenn ich etwas habe, das ich für teilenswert halte.

The Music Licensing Company Way

Die Einnahmen der Musikindustrie sind in den letzten zehn Jahren stetiger gewachsen, und die Experten prognostizierten, dass sie auf absehbare Zeit in diesem Kurs bleiben werden. Die Zahlen könnten mit der wachsenden Popularität des Streamings bei der jüngeren Generation steigen. Als die physischen Verkäufe um die Wende des Jahres 2010 zurückgingen, waren andere Verkaufsmittel entstanden, und Millionen unabhängiger Musiker wandten sich der Lizenzierung ihrer Musik zu, um ihre Arbeit zu monetarisieren. Das Internet ebnete den Weg für mehr Geschäftsmöglichkeiten und fast alle erfordern Musikinhalte. Im Vergleich zu vor einem Jahrzehnt müssen mehr Musikeinnahmen erzielt werden, da wir heute mehr TV-Shows, Anzeigen, Werbespots, Kampagnen, Videospiele, Filme, Filme, Einrichtungen und Unternehmen haben. Jede einzelne Branche benötigt Musikinhalte, um die Öffentlichkeit anzusprechen. Es ist Teil ihres Marketingplans und diese Branchen benötigen die Dienste von Musiklizenzunternehmen, um diese Anforderungen zu erfüllen.

Tatsächlich stieg der Umsatz der US-Musikindustrie für 2015 um 0,9% und brachte 7 Milliarden US-Dollar ein. Die RIAA gab außerdem bekannt, dass Streaming zum ersten Mal den digitalen und physischen Verkauf von Musik überholt hat und von 27% im Jahr 2014 auf 34% im Jahr 2015 gestiegen ist. Der Streaming-Umsatz stieg 2015 lediglich um 29%. Der digitale Umsatz ging von 2,58 USD zurück Milliarden im Jahr 2014 auf 2,33 Milliarden US-Dollar im Jahr 2015, ein Rückgang um 9,6%. Mit dem Anstieg des Streamings litt der physische Umsatz unter der stärksten Abwärtsspirale, da nur 1,9 Milliarden US-Dollar Umsatz angesammelt wurden, 10% des Umsatzes in den USA. Dies war vor 10 Jahren nicht der Fall, da der physische Verkauf die Musikindustrie dominierte.

Der große Teil davon stammt von Organisationen für Aufführungsrechte und Musiklizenzfirmen. Diese Unternehmen lizenzieren die Musik ihrer Mitglieder und vertreiben sie an verschiedene Branchen im ganzen Land. In den USA gibt es drei Organisationen für Aufführungsrechte für Musiker: ASCAP, SESAC und BMI.

Was ist Musiklizenzierung? Musiklizenzierung ist die Lizenz für urheberrechtlich geschützte Musik. Dadurch kann der Inhaber der Musik das Urheberrecht an seinem Originalwerk behalten. Es stellt auch sicher, dass der Eigentümer des Musikwerks entschädigt wird, wenn seine Musik von anderen verwendet wird. Die Musiklizenzfirmen haben eingeschränkte Rechte zur Nutzung des Werks ohne gesonderte Vereinbarung. Bei der Musiklizenzierung können Sie Ihre Arbeit in Form von Musik, Komposition und Songwriting lizenzieren lassen.

Während des Musiklizenzierungsprozesses gibt es Begriffe, die von den beteiligten Gruppen diskutiert werden. Wenn Sie ein unabhängiger Musiker sind, wären Sie der Lizenzgeber. Sie sind derjenige, der für die erstellte Musik verantwortlich ist, und somit der Urheberrechtsinhaber des lizenzierten Werks. Ein Lizenznehmer wäre das Musiklizenzunternehmen, da es dasjenige ist, das Ihre Arbeit an andere Branchen verteilt. Sie erheben auch die Lizenzgebühren, um sie an Sie zurück zu verteilen, wenn Ihre Musik in Live-Auftritten, TV-Shows, Anzeigen, Kampagnen, Videospielen usw. enthalten ist.

Es gibt auch zwei Arten von Verträgen bei der Musiklizenzierung, nämlich Exklusivverträge und Nicht-Exklusivverträge. Exklusivvertrag bedeutet, dass Ihre Arbeit ausschließlich an eine einzige Musiklizenzfirma lizenziert wird. Nur ein einziges Unternehmen ist befugt, Ihre Arbeit zu vertreiben und zu vermarkten. Wenn Sie einen Exklusivvertrag für Ihr Lied oder Album unterzeichnet haben, können Sie nicht denselben Musikinhalt verwenden und ihn von anderen Musiklizenzfirmen signieren lassen. Die Vereinbarung ist exklusiv und vertraulich für den Lizenzgeber und den Lizenznehmer.

 

 

Elektronische Musik betrat die Bühne in der Musikindustrie. DJs und Produzenten sind heute beliebter als je zuvor. Hier sind Möglichkeiten, wie Sie die Vorteile eines Produzenten elektronischer Musik nutzen können.

1. Sie können die Welt erreichen
Das Internet, eine schöne Sache, wenn es richtig genutzt wird, kann Ihnen helfen, Menschen zu erreichen, die Sie in früheren Zeiten möglicherweise nie besucht haben. Im Handumdrehen kann Ihr Soundcloud-Upload Milliarden von Menschen in Ländern erreichen, die Sie nicht einmal aussprechen können. So mächtig ist Ihre Position.

2. Sie können Geld verdienen, während Sie schlafen
Entgegen der landläufigen Meinung verdienen Musiker online tatsächlich Geld.

3. Jeder kann hören, was Sie veröffentlicht haben
Keine Plattenlabels mehr, die Ihre Arbeit zurückhalten.

4. Sie werden eine Nische von Fans finden, die Ihre Arbeit lieben
Wir alle wissen, dass wir nicht die gleiche Musik mögen. Das ist die Schönheit von dir.

5. Ihre Musik kann überall übertragen werden
Mit externen Festplatten, Flash-Laufwerken und anderen Technologien, die mir noch nicht bekannt sind, können Sie Ihre Musik schnell wiedergeben.

6. Es gibt keinen Wettbewerb
Wie bereits erwähnt, haben Sie, wenn Sie sich ausdrücken, KEINE Konkurrenz – niemand kann Sie sein.

7. Musik wird schneller als je zuvor veröffentlicht
Dies sind einige der besten Nachrichten, die Sie erhalten könnten.

8. Musik überwindet Sprachbarrieren
Als Künstler verstehen Sie, dass Musik eine Sprache für sich ist. Ihre Macht als Musikschöpfer besteht darin, diese unsichtbare Sprache zu sprechen und die Stimmungen von Millionen zu bewegen.

Hochwertiger Klavierhersteller

Das Unternehmen wurde 1903 von Cyrus Adler und R.S. Hill in Louisville, Kentucky ausschließlich als Orgelhersteller. Wie bei vielen großen Herstellern üblich, bestanden die Partnerschaften häufig aus einem Investor und einem erfahrenen Handwerker. Adler war ein erfolgreicher Eigentümer einer großen Holzfirma. R.S. Hill war aus der Mason & Hamlin-Fabrik. Hill wäre der Superintendent, der die Instrumente entwarf und deren Konstruktion und Qualität verwaltete.

Louisville, Kentucky, war ein seltsamer Standort, da die meisten Hersteller New York, Chicago und Boston als idealere Standorte auswählten. Adler entschied sich aufgrund seiner guten Eisenbahnanbindung für Louisville und war zuversichtlich, dass der Standort rentabel sein würde. Adler bezog ein bestehendes Gebäude, das zuvor von einer Möbelfirma bewohnt worden war.

1904 wurden Pläne für ein großes Werk auf der anderen Straßenseite erstellt. Es kam jedoch zu einem Streit mit den Stadtratsmitgliedern. Adler wollte einen einfachen Schalter und eine Schiene, um die beiden Werke zu verbinden. Einige Ratsmitglieder lehnten die Pläne ohne ersichtlichen Grund ab, und es kam zu geringfügigen Argumenten. Schließlich wurde das neue Bauprojekt verschrottet, was zu Hunderten von verlorenen Baujobs führte.

Im Verpackungsraum begann ein Feuer, das einen Teil des Gebäudes zerstörte. Der Schaden betrug rund 15.000 US-Dollar (heute ca. 380.000 US-Dollar). Den Feuerwehrleuten wurde die volle Anerkennung zuteil, sonst wäre alles verloren gegangen. Wasser, mit dem das Feuer gelöscht werden konnte, verursachte jedoch erhebliche Schäden an den Instrumenten.

Adler produzierte eine großartige und glorreiche Ausstellung auf der Louisiana Purchase Exposition in St. Louis. Dies war die Messe, auf der die Eistüte vorgestellt wurde. Anscheinend war die Ausstellung ein Erfolg, da sie einen Fünfjahresvertrag mit Sears & Roebuck über den Bau der Beckwith-Orgel erhalten hatten.

Charles Blasius stammte aus Köln und kam mit 25 Jahren nach Amerika.

Nachdem er für eine Reihe anderer Klavierbauer gearbeitet hatte, gründete er 1855 seine Firma unter dem Namen Blasius Brothers in Philadelphia in der 1006 Chestnut Street. Wenn Sie so wollen, war dies eine Klaviergasse mit Chickering and Sons, Decker Brothers und Steinway-Lagerräumen in derselben Straße.

1857 trennt er sich von seinen Brüdern als Geschäftspartner, und Charles ändert den Namen der Firma in Blasius and Sons, wobei seine beiden Söhne Levi und Oscar als Partner zugelassen werden.

1887 übernahm Blasius die Kontrolle über die Charles Albrecht Piano Company, die einer der ältesten Klavierhersteller in Amerika war. Neben dem Namen Albrecht baute Blasius & Sons auch Klaviere unter dem Markennamen „Regent“ als erschwingliche Alternative zu seiner teureren Marke Blasius.

Es ist immer eine gute Geschäftspraxis, einem Kunden mehrere Möglichkeiten anzubieten.

 

 

Aufgrund ihrer hohen Kosten im Neuzustand wurden Blasius-Klaviere nie wie viele andere amerikanische Klavierhersteller in großem Maßstab gebaut.

Thomas Edison liebte und befürwortete das Blasius-Klavier sehr und verwendete es in seinen Experimenten. Er führte ein Experiment mit Klavier und Phonograph durch. Hier ist ein Brief, den Edison im Dezember 1894 an Blasius schrieb.

Nicht jedes einzelne Teil wird in der Fabrik hergestellt, sondern ausgelagert.

– Steinway macht keine Bass-Saiten, sie werden von Mapes in Tennessee hergestellt.

– Steinway macht ihre Oberflächen nicht, sie werden von Wurdack Industrial Finishes aus St. Louis, MO, hergestellt.

– Steinway-Hämmer werden nicht mit Steinway-Lack, sondern mit Wurdack-Lack geäußert.

– Steinway besitzt keinen Wald, aber sie kaufen ihr Holz bei Fred Tebb and Sons in Tacoma Washington. Fragen Sie nach ihrer Steinway Grade Sitka Fichte, da jeder sie kaufen kann, aber sie wird teuer.

Ich fand andere Unternehmen, die die gleiche Qualität von Sitka-Fichte, die aus demselben Wald stammt, zu viel geringeren Kosten verkaufen.

ANDERE OUTSOURCING-UNTERNEHMEN, DIE VON STEINWAY GEKAUFT WURDEN

– Die Gusseisenplatten wurden von der O.S. Kelley Foundry seit 1938. Kürzlich gekauft.

– Die Kluge Company stellt Aktionsteile wie Stimmstifte, Filze und ganze Aktionen her. Kürzlich erworbene.

DIE QUALITÄT DER TEILE

Es ist leicht anzunehmen, dass ein Teil, das in einer Schachtel mit Steinway-Originalteilen geliefert wird, von höchster Qualität ist. Das ist aber nicht unbedingt so. Andere Unternehmen für Aktionsteile stellen Steinway-Duplikate her, oft von besserer Qualität. Tokiwa und Renner haben eine lange Tradition darin, Action-Teile herzustellen, die zuverlässig und erschwinglicher sind und die Leistungsqualität des Steinway nicht beeinträchtigen.

Ich habe einmal alle verschiedenen Teile nebeneinander gehalten, und es gab keine besondere Qualität der Steinway-Teile, um sie von den anderen zu unterscheiden.

DAS HERZ VON STEINWAY

Der Resonanzboden wird nach einem beschriebenen Verfahren hergestellt, das als „Rezept“ bezeichnet wird. Dieses Rezept ist im Grunde eine Sitka-Fichtenplatte, die mit geraden Rippen aus Zuckerkiefer verklebt ist und auf 4-5% EMV getrocknet wird. Wenn es in das Klavier geklebt wird, wächst es und krönt. Das ist es! Jeder erfahrene Soundboard „Bellyman“ kann es duplizieren.

Piano Maker Geschichten

Conrad Narvesen gründete 1847 sein Klaviergeschäft in New York und betrieb seine Firma als Einzelunternehmer, bis er 1860 eingebürgerter Staatsbürger wurde.

1861 wird er Partner von Ihlseng und Lindsted und das Unternehmen wird in Ihlseng, Narvesen & Lindsted umstrukturiert.

Lars G. Ihlseng stammte aus Norwegen und war Klavierhändler, bevor er eine kurze Partnerschaft mit Narvesen einging.

Lindsted zog sich nur zwei Jahre später im Jahr 1863 zurück. Die Firma wurde in Ihlseng & Narvesen umstrukturiert und sie überlebten nur ein Jahr zusammen, das Ende 1864 endete.

Narvesen, der jetzt alleine arbeitet, wurde später von seinem Sohn 1869 unterstützt und sie arbeiteten bis 1877 zusammen.

Narvesen, der wieder alleine arbeitete, wurde 1880 von neuen Partnern gegründet, um Narvesen, Bergmann & Haugaard zu gründen.

1881 erwirbt Richard M. Walters das Klaviergeschäft von Narvesen. Walters war ein Investor, der auch ein Einzelhandelsgeschäft und ein Auktionsgeschäft besaß. Narvesen, Bergmann & Haugaard arbeiten weiterhin als Superintendenten für Walters in ihren jeweiligen Abteilungen.

1885 – R.M. Walters verlegt das Unternehmen an einen besseren Standort im Bundesstaat New York. Seine Firma war bekannt dafür, dass Kunden Musikinstrumente in Raten kaufen konnten.

Im Jahr 1889, R.M. Walters, eine beliebte Persönlichkeit, wurde oft in Musikmagazinen vorgestellt. Seine Fotos zeigen einen gutaussehenden und selbstbewussten Geschäftsmann mit einem markanten Schnurrbart, der mit seinen Koteletten eins wird. Er trug oft gut gemachte Anzüge mit einer Blume am Revers.

Er umgab sich mit anderen bekannten Leuten. Sein Geschäftsführer war William Barton Stone, ein bekannter Indianapolis-Komponist von „The Lambs Polka“, „The Souvenirs Song“, „The Drover Waltz“ und „Parnell Funeral March“. Walters und Stone nahmen an vielen Wohltätigkeitsveranstaltungen teil, wobei Stone einmal als Parade-Sheriff fungierte, und wurden als sehr gute Reiter bezeichnet.

Henry Stultz Sr. und Frederick Bauer wurden 1882 gegründet und gründeten die bekannte Klavierbaufirma Stultz und Bauer. Frederick Bauer war mit Jacob Doll verwandt, einem anderen bekannten Klavierbauer. Das Unternehmen wuchs schnell und um den wachsenden Anforderungen gerecht zu werden, sammelte das Unternehmen Geld, indem es Aktien verkaufte und 1892 gründete.

Vielleicht reichen 16 Jahre für eine Partnerschaft aus, und bis 1896 verlässt Henry Stultz Sr. die Firma und wird Partner der Dolgeville Piano Case Company.

Bauer bleibt alleiniger Eigentümer von Stultz & Bauer.

Zwei Jahre später, 1898, geht die Dolge Piano Case Company in Konkurs und wird für 4.006 USD an die Jacob Brothers Piano Company versteigert.

Nur ein Jahr später, 1899, stirbt Henry Stultz Sr. im Alter von 52 Jahren an einer Lungenentzündung.

 

 

1900 trifft sich Henry Stultz Jr. mit dem bekannten Piano-Action-Macher George Bothner. Henry und George, zusammen mit Charles Kretschmann, beginnen unter Stultz und Co. Klaviere herzustellen. Leider war das Unternehmen nur von kurzer Dauer und 1902 gingen Stultz und Company bankrott. Die Vermögenswerte wurden von der großen Klavierfabrik Bjur Brothers auf einer Auktion gekauft.

Henry Stultz Jr. arbeitet in der Fallbearbeitungsabteilung der Kohler- und Campbell-Fabrik, aber ein Jahr später, 1905, arbeitet er erneut mit George Bothner zusammen und zusammen gründen sie die Firma The Stultz Piano Case Company mit 10.000 US-Dollar.

Das POMIW Union Journal berichtet, dass die Stultz Piano Case Co. 1907 in den Hintergrund tritt. Nur drei Jahre in Folge.

Seine Entwürfe scheinen auf Steifheit zu beruhen. Seine Platten sind so konstruiert, dass die Saitenspannung in einer horizontalen Ebene in der Mitte der Platte liegt, während bei einem „normalen“ Flügel die Saitenspannung horizontal über der Platte liegt.

Er geht einen Schritt weiter in seinem Pfosten. Ein Hauptfehler bei Pfosten ist, dass der Klang durch das Gehäuse erstickt werden kann. William behebt dieses Problem, indem er den Resonanzboden für maximale Schallbelichtung auf der Rückseite des Instruments platziert. Die Platte und die Saiten befinden sich jedoch in der Mitte des Instruments. Er verbindet den Resonanzboden mit der Brücke und fädelt ihn mit Dübeln ein.

Ziemlich beeindruckend!

Ich empfehle, dass Sie seine Patente sehen, auf die online über Google Patents zugegriffen werden kann.

Ein weiteres Beispiel für seinen einzigartigen Ansatz ist der Resonanzboden. Sie können ein Julius Bauer-Klavier leicht erkennen, da seine Resonanzböden oben und unten Rippen aufweisen.

Später erfand er sogar ein Klavier ohne Stahlplatte. Es verfügt über eine Holzplatte als Ersatz für die traditionelle Gusseisenplatte mit dem Ziel, dem Klavier einen süßeren Klang zu verleihen.

Seine Klavierentwürfe und Konstruktionsmethoden waren zu seiner Zeit sehr einzigartig und hoch gelobt. Heute sind sie einen zweiten Blick wert und es lohnt sich sehr, sie zu restaurieren.

Er verkaufte seine Firma 1930 an die Wurlitzer Piano Company, die während der Weltwirtschaftskrise schwer getroffen wurde.

Wurlitzer baute den Namen Julius Bauer bis etwa 1938 weiter auf.

Musikmarketing hilft, Fans zu schaffen

Wir als Musiker haben buchstäblich große Fortschritte in der Technologie gemacht und viele Sprünge im Konzept, Menschen zu erreichen. Früher hatten nur die großen Plattenfirmen Zugriff auf die „richtigen“ Verbindungen. Oder Zugang zu Menschen, die mehr Menschen kennen, Menschen, die Einfluss haben. Einige dieser Leute waren wie ein Mann, der eine Spinne über einem Feuer baumelt, und es lag an ihnen, ob Sie fallen gelassen oder fortgesetzt werden sollten.

Das Gute ist jetzt, dass Sie nicht berühmt werden müssen, um mit Ihrer Musik reich zu werden. Eine weitere gute Sache ist, dass wir Zugriff auf alle Tools haben, die wir benötigen, sehr ähnlich den Tools, mit denen die großen Labels unzählige Erfolgsgeschichten großer Künstler erstellt haben, die es an die Spitze geschafft haben. Im Laufe der Entwicklung des Menschen sind diese Tools schneller, zuverlässiger, effizienter und für jeden mit Computer und Internet leicht zugänglich geworden.

Möchten Sie Geld verdienen, indem Sie das tun, was Sie gerne tun? Natürlich tust du. Ich denke, es ist wichtig, zunächst sowohl langfristige als auch kurzfristige Ziele zu schaffen. Die Ziele zeigen uns die Richtung, in die wir schauen müssen. Fragen Sie sich als nächstes: „Warum? Warum will ich in der Musikindustrie erfolgreich sein?“ Als ich mir diese Frage stellte, bekam ich folgende Antworten:

Popularität – Es ist ein beruhigender Gedanke; Es fühlt sich gut an, sich bestätigt zu fühlen, aber ich kann tiefer graben. Wir sind tiefere Wesen als das.

Reichtum – Geld ist nicht das einzige Motiv. Wenn Sie hart genug arbeiten, wird Geld zu Ihnen kommen, unabhängig davon, was Sie tun.

Selbstausdruck – Ein Künstler hat oft ein brennendes Feuer, und Musik ist ein ausgezeichneter Ausgang.

Wie sich das erste Konzert veränderte, als würde man Musik hören

Ich trug meine rahmenlose Brille, ein schwarzes T-Shirt und Jeans, mit durcheinandergebrachten Haaren (ich versuchte mein Bestes, um mich für diesen Anlass anzuziehen). Ich war eine herausragende Persönlichkeit in einer Menschenmenge, die hauptsächlich schwarze Jacken, bemalte Gesichter, schwere Eyeliner, Mohawk-Haare und Schuhe mit Stacheln, Mützen, Hemden, Shorts und alles trug.

Ich wusste wirklich nicht, was mich erwarten würde.

Nach fast 2 Stunden Wartezeit erschien die Band und die Musik begann. Dann wurde alles klar.

Wir wurden alle eins – unabhängig von Rasse, Religion, Alter, Geschlecht (oder Kleidung); Wir alle feiern an diesem Tag eine Sache. Musik. Meine chemische Romanze machte Brüder und Schwestern durch ein Medium – ihre Musik – fremd.

 

 

Das Hören meiner chemischen Romantik wird niemals das gleiche sein – Nach dieser Nacht wird meine Erfahrung, MCR über meine Kopfhörer zu hören, niemals das gleiche sein. Das Hören von House of Wolves bringt mich jetzt zu einer Szene wie dieser (Entschuldigung, ich konnte die malaysische Version nicht finden, also hier ist eine aus Mexiko). Wenn du deine Lieblingsband live hörst, wirst du irgendwie ein Fan fürs Leben sein.

Anerkennung. – Ich habe gelernt, Musik auf einer ganz neuen Ebene zu schätzen. In der Lage zu sein, die Früchte der Anstrengung zu sehen, die der Darsteller unternimmt, um die Kunst zu perfektionieren; der Meister der Klangveränderung zu sein, damit es Musik für unsere Ohren ist. Es ist etwas Besonderes, Musik in ihrer rauesten Form zu hören.

Es ist das Geld wert – RM350 für ein Ticket zu bezahlen ist ein kleines Geld, wenn man bedenkt, wie viel Zeit und Mühe der Künstler vor Ihnen aufgewendet hat, um Ihnen diese rockige Melodie zu bringen. Außerdem verdienen Musiker ihr Einkommen hauptsächlich mit Live-Musik. Ein kürzlich veröffentlichter PWC-Bericht besagt, dass die Einnahmen aus Live-Musik voraussichtlich steigen werden, da die Einnahmen aus aufgezeichneter Musik weiter sinken. Ihr Beitrag wird also sehr geschätzt.

Jerry Garcia trug auf der Bühne mit den Grateful Dead immer eine getönte Brille, ebenso wie Ozzy Osbourne, dessen Brille auf der Bühne Janice Joplins Brille auf der Bühne sehr ähnlich sieht, aber nichts war so cool wie Lennons Alltagsbrille

Aber die Hauptsache für Musiker, die versuchen, mit einer Brille auf der Bühne ein Statement abzugeben, ist, so einzigartig wie möglich zu sein und gleichzeitig funktional zu sein. Zum Beispiel müssen fast alle Musiker auf der Bühne eine Art Tönung haben, um die hellen Lichter zu bekämpfen, die in die Augen der Darsteller auf der Bühne strahlen. Ringo Starr und Bono verwenden je nach Show oder Fotoshooting unterschiedliche Farbtöne und Farbstufen. Oft müssen Musiker Anpassungen an ihrer Ausrüstung vornehmen, sodass eine gute Vergrößerung erforderlich ist, selbst wenn Sie eine Lesebrille verwenden. Ein weiterer wichtiger Faktor ist, dass die Brille richtig sitzt, damit sie beim Tanzen nicht herunterfällt.

Was die Band Stavros betrifft – sie verwenden Brillen von Reading Glasses Etc., denn schließlich lautet ihr Slogan „Ridiculously Cool Glasses“, und einer der wichtigsten Teile einer Live-Performance ist es, so cool wie möglich auszusehen – sogar lächerlich cool . Und selbst wenn Sie nicht auf der Bühne auftreten, tut es nie weh, so auszusehen, als könnten Sie auf der Bühne stehen, denn jeder möchte diesen coolen Look.

Tipps zum Geldverdienen mit Musik

Einkommen zu generieren oder Arbeit zu monetarisieren, ist für Musiker überall eine große Herausforderung. In dieser technologiegetriebenen Welt wird der Verkauf von Musik von Jahr zu Jahr schwieriger. Der Wettbewerb ist nicht das einzige, was hart ist, aber die musikalische Entwicklung und das Publikum sind viel schwerer zu befriedigen. Es gibt mehr Genres, mehr Künstler und andere komplexe Arten, Dinge zu verkaufen. Sie müssen immer einen Schritt voraus sein und sich mit der heutigen Art und Weise auskennen, mit Musik Geld zu verdienen.

Die alten Methoden zur Vermarktung von Musik wie das Spielen von Gigs und Demos können heutzutage nicht mehr stark genutzt werden. Sie könnten immer noch mit dieser Methode verdienen, aber seien Sie ehrlich, auf diese Weise zu verdienen wird niemals ausreichen, um Ihren monatlichen Bedarf zu kompensieren, und es ist auch körperlich anstrengend, jeden Tag von Stadt zu Stadt zu reisen.

Es gibt mehrere Möglichkeiten, mit Musik Geld zu verdienen. Nehmen Sie jeden einzelnen in Angriff und unterscheiden Sie, was für Sie und Ihre Band am besten geeignet ist.

Live-Shows – Um ehrlich zu sein, diese Methode kann immer noch einen guten Zahltag bringen, wenn Sie Tickets verkaufen oder eine gute Anzahl von Zuschauern für Ihren Auftritt gewinnen können.

Cover-Gigs – Für einige Musiker ist ein Cover-Gig sehr anstrengend und hilft dir nicht wirklich, deine Band zu promoten. Das mag wahr sein, aber der Bedarf an Cover-Auftritten im ganzen Land ist immer noch hoch. Diese Methode könnte immer noch eine gute Menge Geld einbringen, wenn Sie von den richtigen Leuten eingestellt werden. Das Publikum und die Veranstaltung variieren von einer Kinderparty, Bars, Restaurants, Geschäftstreffen, Hochzeiten usw.

YouTube – Es ist nicht zu leugnen, dass dies die Website ist, auf der Sie alle Titel oder Nachrichten anhören und ansehen können, die Sie in der letzten Woche oder so verpasst haben. Unternehmen, Filme, Spiele und vieles mehr werben heute auf dieser Website.

Streaming – Musik-Streaming ist heute ein großer Erfolg. Mit dem unvermeidlichen Rückgang oder den physischen und digitalen Verkäufen in den letzten Jahren hat das Streaming erheblich zugenommen und wird dies auch im nächsten Jahrzehnt tun, wenn sich die Menschen für diese Methode entscheiden. Die weltweiten Streaming-Einnahmen steigen und übertreffen die digitalen und physischen Verkäufe insgesamt.

Grundlegende Tipps für die Online-Vermarktung von Musik

1. Qualität

Erstens und für die meisten müssen Sie hochwertige Musik haben. Wenn Sie nicht der nächste Slim Jesus oder Rebecca Black sein möchten, sollten Sie hochwertige Musik haben, die es wert ist, angehört zu werden. Ihre Musik sollte nicht nur gute Inhalte haben, sondern auch professionell und eingängig klingen.

2. Social Media

Social Media ist eine großartige Möglichkeit, Ihre Musik zu vermarkten und zu teilen! Sie können buchstäblich in Sekundenschnelle mit Tausenden von Menschen in Verbindung treten! Sie sollten mindestens drei verschiedene Social-Media-Sites anmelden. Es könnte schwierig sein, mit mehr als drei Schritt zu halten, daher rate ich Ihnen, bei drei zu bleiben. Wenn Sie glauben, dass Sie mit mehr umgehen können, melden Sie sich bitte bei so vielen an, wie Sie möchten! Je mehr desto besser. Bleiben Sie aktiv, aber nicht zu Spam! Das nervt nur die Leute und kann so aussehen, als ob Sie verzweifelt nach Aufmerksamkeit suchen. Geben Sie Ihren Followern und Freunden Wert, anstatt zu spammen.

 

 

3. Konsistenz

Dies ist der schwierigste und wichtigste Schritt. Sie müssen konsequent sein. In sozialen Medien müssen Sie täglich Inhalte hochladen und wöchentlich Songs / Videos hochladen! Wir leben in einer schnelllebigen Welt und müssen die Aufmerksamkeit der Menschen auf sich ziehen! Und wie machen wir das? Indem wir konsequent sind! Denken Sie daran, nichts passiert über Nacht. Wenn Sie jedoch konsequent bleiben und diese Tipps verwenden, werden Sie in kürzester Zeit erste Ergebnisse sehen!

Verkaufen Sie Ihre Musik online

1. Mehrere Spieler
Mit Soundgine erhalten Sie 3 verschiedene Player, die Sie auf Ihrer Website implementieren können, um Ihre Musik zu verkaufen. Sie haben alle unterschiedliche Merkmale und Designs. Sie können auswählen, welche Sie verwenden möchten, und jederzeit zwischen ihnen wechseln. Darüber hinaus erhalten Sie einen Pod-Player, mit dem Sie einzelne Titel Ihres Shops auf Social Media-Plattformen wie Facebook veröffentlichen können.

2. Verschiedene Zahlungsmethoden
Um Ihren Umsatz zu maximieren, sollten Kunden in der Lage sein, zwischen verschiedenen Zahlungsmethoden zu wählen. Mit Soundgine können Sie Ihren Kunden die Wahl zwischen PayPal- und Kreditkartenzahlungen geben. Sie müssen lediglich ein PayPal- und 2Checkout-Konto (mit dem Sie Kreditkartenzahlungen akzeptieren können) erstellen und können loslegen.

3. Ihre eigene Website

Bei Soundgine geht es darum, Musik online zu verkaufen. Dazu benötigen Sie einen Musik-Player / Shop, den Sie auf Ihrer Website implementieren können. Viele Musiker haben jedoch nicht die Zeit, das Geld oder die Fähigkeiten, um ihre eigene Website zu erstellen. Soundgine ist sich dessen bewusst. Deshalb bieten sie VUE an. VUE ist ein Website-Builder, der mit Ihrem Abonnement geliefert wird. Es ist wahrscheinlich der beste Bonus, den ein Musiker jemals verlangen kann. Sie müssen es nicht verwenden, aber wenn Sie keine Website haben oder eine sekundäre Website benötigen, ist VUE die perfekte Option. Sie geben Ihnen sogar einige schön gestaltete Website-Vorlagen zur Auswahl.

4. Behalten Sie Ihren Domainnamen

Viele Musikverkaufsplattformen bieten eine kostenlose oder kostenpflichtige Website an, auf der Sie Ihre Musik verkaufen können. Wenn Sie genau hinschauen, gehören diese Websites nicht Ihnen. Der Grund, warum ich das sage, liegt an den Einschränkungen des Domainnamens.

Eine erfolgreiche Musikkarriere pflegen

Was ist der grundlegende Faktor, der bestimmt, ob Sie im Musikgeschäft erfolgreich sind oder scheitern?

Die Antwort lautet: Ihre Denkweise. Der Erfolg, den Sie in Ihrer Musikkarriere erleben, ist vollkommen analog zu den Entscheidungen, die Sie treffen, und den Maßnahmen, die Sie bis zu diesem Zeitpunkt ergriffen haben. Beide Dinge sind ein Ergebnis Ihrer Denkweise.

Massiv erfolgreiche Musiker im Musikgeschäft werden nicht mit überlegenem musikalischem Talent oder mehr Potenzial als andere Musiker geboren. Sie denken nur mit einer völlig anderen Denkweise als alle anderen, was dazu führt, dass sie unterschiedliche Maßnahmen ergreifen und völlig unterschiedliche Ergebnisse erzielen.

Wenn Sie eine positive und selbstmotivierende Denkweise haben, werden Sie Entscheidungen treffen, die (größtenteils) zu Aktionen führen, die für Ihre Musikkarriere eine Menge Erfolg bringen. Wenn Sie sich nicht sicher sind, wie Sie Ihre Musikkarriere aufbauen sollen, werden Sie aufgrund einer positiven Einstellung alle richtigen Fragen stellen und an den richtigen Stellen nach Antworten suchen.

Wenn Sie eine durchschnittliche Denkweise haben, können Sie ein wenig Erfolg in der Musikindustrie erzielen, aber die Chancen stehen gut, dass Sie langfristig keinen nachhaltigen Erfolg sehen werden.

Wenn Sie eine negative Einstellung haben, werden Sie es einfach nirgendwo in der Musikindustrie schaffen. unabhängig davon, welche positiven Dinge derzeit für Sie vor sich gehen.

Es gibt einige Möglichkeiten, wenn Sie sich für eine Karriere in der Musik entscheiden. Unabhängige Musiker nutzen derzeit alle Möglichkeiten, um sich von Musikfirmen unterzeichnen zu lassen. Wenn Sie ein Musikkünstler sind, sollten Sie auch alle Blickwinkel erkunden, damit Sie Ihre eigene Musikkarriere gestalten können.

Qualitativ hochwertige Musik – Sie müssen Ihr eigenes Handwerk mit hochwertigen Audiodaten, Instrumenten, Hintergrundmusik usw. aufnehmen. Musikfirmen sind immer auf der Suche nach dem nächsten großen Künstler. Sie suchen immer nach Profis, da es viel einfacher sein kann, mit ihnen einen Deal abzuschließen, als Möchtegern-Amateure. Sie können beginnen, indem Sie Ihr Geld, Ihre Zeit und Ihren Aufwand investieren, indem Sie hochwertige Musik erstellen. Lassen Sie jemanden, der auch musikalisch dazu neigt, Ihre Aufnahmen anzuhören, die Perspektive eines Außenstehenden gewinnen.

Seien Sie kreativ – Haben Sie keine Angst, mit verschiedenen Musikstilen zu experimentieren. Die Musikindustrie ist heutzutage sehr komplex. Neue Genres sind auf dem Vormarsch und die meisten von ihnen haben die Mainstream-Musik im Sturm erobert. Grenzen Sie Kreativität und Fantasie nicht ein. Seien Sie auch flexibel bei der Abdeckung mehrerer Genres. Musiklizenzfirmen sehen diese Qualität normalerweise als großes Plus an, bevor sie einzelne Musiker unter Vertrag nehmen.

Gute Studioaufnahmefähigkeiten – Diese Fähigkeit kann durch Ausprobieren erlernt werden. Es erfordert auch jahrelange Übung, um Ihre Studioaufnahmefähigkeiten zu verbessern. Ein gutes Ohr und viel Liebe zum Detail helfen Ihnen immer dabei, großartige Ergebnisse zu erzielen. Lassen Sie Ihren Titel oder Ihre Wiedergabeliste professionell aufnehmen, um Musiklizenzunternehmen anzulocken.

 

 

Branding und Website – Klingen Sie immer professionell und halten Sie sich von alten schlechten Gewohnheiten fern, die Sie früher hatten. Die Musikindustrie ist voller Profis. Wenn Sie beeindrucken und von ihnen unterschrieben werden möchten, seien Sie so professionell wie möglich. Außerdem müssen Sie in die Erstellung Ihrer eigenen Website investieren. In der heutigen technologiegetriebenen Welt werfen Musikagenten einen kurzen Blick auf Ihre Website und entscheiden, ob Sie das Zeug dazu haben, signiert zu werden.

Hier sind Fragen zur Musikindustrie, die Musiker stellen sollten:

1. Warum arbeiten Plattenfirmen / Bands mit einigen Musikern zusammen und nicht mit anderen?

Plattenfirmen suchen tatsächlich nach einer ganz bestimmten Art von Person, mit der sie arbeiten können. Sie suchen jemanden, der die richtige Einstellung, Fähigkeiten und Persönlichkeit hat. Sobald Sie verstehen, worauf sich das alles bezieht, und Maßnahmen ergreifen, um es zu entwickeln, werden Ihre Erfolgschancen in der Musik explodieren.

2. Wie kann ich alltägliche Fans in Fanatiker verwandeln?
Die Mehrheit der Musiker da draußen versucht herauszufinden, wie sie mehr Fans gewinnen können, und versteht nicht, dass es nicht sehr wichtig ist, einfach viele Fans zu haben, wenn sie alle Gelegenheitsfans sind. Diese Art von Fans hören vielleicht gerne Ihre Musik, aber sie haben keine Loyalität zu Ihnen oder Ihrer Band. Auf der anderen Seite sind fanatische Fans diejenigen, die alle Ihre Alben kaufen, Ihren Merch tragen, bei jeder Show auftauchen und (manchmal) sogar Tätowierungen des Logos Ihrer Band erhalten.

5: Wie kann ich in der Musikindustrie finanziell absolut sicher werden?

Die Mehrheit der Musiker verdient aus drei Gründen nie ihren Lebensunterhalt:

1. Sie denken, Musiker müssen von Natur aus Schwierigkeiten haben, durchzukommen. Diese Denkweise vernichtet jeden Ehrgeiz, einen guten Lebensunterhalt zu verdienen.

2. Sie wollen einen Job in der Musikindustrie finden, anstatt sich als Unternehmer zu sehen.

3. Sie entwickeln nicht mehrere Quellen für musikbezogene Einnahmen, einschließlich:

-Unabhängig: Wenn etwas passiert, dass Sie einen Ihrer Einkommensströme verlieren, können Sie die anderen Einkommensquellen unterstützen.

-Kongruent: Alle Ihre Einnahmequellen sind auf Ihre primären Ziele im Musikgeschäft abgestimmt.

Beliebte Songs, die Einblicke bieten

Bob Dylans Einfluss auf das populäre Songwriting ist zu groß, um gedruckt zu werden. In diesem Artikel wird daher nur sein Geschenk erwähnt, klassische Schlusszeilen zu schreiben. Zu seinen besten gehört das Ablegen in der „Positively Fourth Street“, wenn er sagt: „Ich wünschte, Sie könnten nur einmal in meinen Schuhen stehen und wissen, was für eine Belastung es ist, Sie zu sehen.“

Ein weiterer denkwürdiger Näher kommt von „The Bal! Ad von Frankie Lee und Judas Priest“, als er vorschlägt: „Wenn Sie sehen, dass Ihr Nachbar etwas trägt, helfen Sie ihm mit seiner Ladung, und verwechseln Sie das Paradies nicht mit diesem Haus auf der anderen Straßenseite.“ Auf demselben John Wesley Harding-Album erscheint „Drifter’s Escape“, das mit „Während alle niederknieten, um zu beten, ist der Drifter entkommen“ endet.

Während es keinem Songwriter gelungen ist, die Menge an Dylan zu produzieren, haben sich einige großartige Zeilen ausgedacht, um ihre Songs zu schließen. Diese Zeilen sind so effektiv, dass der Refrain danach nicht einmal wiederholt wird und nur Musik als Coda übrig bleibt.

Hier sind die zehn besten Schlusszeilen von Songs, die nicht von Bob Dylan geschrieben wurden.

Sie können jederzeit auschecken, aber Sie können nie abreisen: die Eagles vom Hotel California

Der Titeltrack vom Platin-Album folgt dieser unerwünschten Erkenntnis mit einem langen Instrumental, das von zwei E-Gitarren hervorgehoben wird.

Wenn wir mit dir fertig sind, besorgen wir mir auch eine: Runt von We Gotta Get You a Woman

Todd Rundgren schrieb dies mit einer Band, die seinen Spitznamen trägt, und während der ganzen Melodie verspricht er, seinem Freund Leroy einen Begleiter zu verschaffen.

Wie meine Lampe bin ich nicht wirklich hell, also habe ich keine Worte mehr: John Gorka von Like My Watch

Schuhe, Kaffeetassen und Zeitmesser sind Dinge, mit denen sich der Folk-Sänger in diesem Titel seines Debütalbums I Know vergleicht.

Ich hoffe, dass Sie sich eines Tages uns anschließen und die Welt als eine Einheit leben wird: John Lennon von Imagine

Der Idealismus hat nach dem Tod der Beatles viele Fans von Lennon angesprochen, so dass dieser Titeltrack schwer zu einer Hymne wurde.

Bernie Taupin war der Mann, der die Texte für die meisten Stücke schrieb, eine Art Oscar Hammerstein für Eltons Richard Rodgers. Babyboomer finden vielleicht einen besseren Vergleich in der Band Squeeze, in der Chris Difford die Worte schrieb und Glenn Tilbrook die Musik komponierte. Die Smiths sind ein noch jüngeres Beispiel, denn Morrissey hat die Texte beigesteuert, die von der Musik des Gitarristen Johnny Marr unterstützt werden.

Da Eltons Beitrag hauptsächlich die Melodie war, hätte er keine Lieder für seine Mutter schreiben können. Einige seiner Rockkollegen haben jedoch einige populäre Stücke geschrieben, die an ihre Mütter gerichtet sind. Hier sind fünf davon.

 

 

Julia von den Beatles

John Lennon, der in den Siebzigern eng mit Elton John zusammenarbeitete, schrieb diesen Titel aus dem White Album und betitelte ihn nach seiner Mutter.

Ein Teil von dir von John Gorka

Gorkas Worte sind immer ein begabter Folk-Songwriter und bewegen sich besonders auf diesem Porträt aus dem Album Between Five and Seven.

Obdachlose von Loudon Wainwright

Rufus ‚Vater beklagt den Verlust seines letzten lebenden Elternteils und die Traurigkeit seines Tons macht ihn zu einem großartigen letzten Titel für das Album The Last Man On Earth.

Mutter von Tom Paxton

Moat of the Tracks aus dem Bulletin Record sind Satiren, die sich an Leute wie die Post, die Waffenkontrolle oder die Präsidentschaft richten, aber Paxton zeigt seine introspektivere Seite bei dieser Hommage an seine Mutter.

Langjährige Fans von Lou Reed werden den neuen Band sicherlich zu schätzen wissen, aber nur wenige werden von der Tatsache überrascht sein, dass der Sänger Gedichte geschrieben hat. Alles, was man tun muss, ist einen Blick in seine Diskographie zu werfen, um Ausschnitte exquisiter Poesie in den Texten seiner vielen Songs zu finden, wie zum Beispiel den Hit „Walk On the Wild Side“ oder den kurzlebigen „Perfect Day“.

Hier sind Songs, die als schöne Beispiele für Poesie in Lou Reed Texten dienen.

Wie sprichst du mit einem Engel? vom Aufwachsen in der Öffentlichkeit

Ein Sohn, der bestenfalls mit einer Harridan-Mutter oder einem schwachen simpering Vater verflucht ist, wird erzogen, um die zeitlosen klassischen Motive der kindlichen Liebe und des Inzests auszuspielen

Titeltrack vom Aufwachsen in der Öffentlichkeit

Von einem Traum von alptraumhaften Ausmaßen bis zu einer Größe, die weder königlich noch ruhig ist, hat ein Prinz Hamlet die Mitte zwischen Vernunft und Instinkt gefangen. Mit heruntergelassenen Hosen wieder in der Mitte gefangen

Frauen von der blauen Maske

Die Liebe einer Frau kann dich erheben und Frauen können inspirieren. Ich möchte Blumen kaufen und einen himmlischen Chor einstellen. Ein Chor von Kastraten, um meine Liebe zu singen, sie würden ein wenig Bach für uns singen und dann würden wir uns lieben.

Beliebte Songs Creative Use Metaphern

Ich hatte es als verlorene Kunst aufgegeben, ähnlich wie ein anderes vergessenes Opfer des Kommerzes in der Welt der Unterhaltung. Zuerst war es die Werbezeit, die zum Verschwinden von TV-Shows mit eingängigen Titelsongs wie Klassikern wie The Brady Bunch oder Gilligan’s Island oder noch weniger alten Serien wie Full House oder Friends führte.

Dann kam anscheinend das fast vollständige Verschwinden von Liedern mit gesprochenen Intros, die einst Grundnahrungsmittel der Popmusik waren. Ein Teil des Charmes, der von Sixties-Gruppen wie dem Kingston Trio ausgeht, ist die witzige Einführung in Songs wie „M.T.A.“ oder sogar die ernsthaften Vorspiele zu Balladen wie „Tom Dooley“.

Glücklicherweise veröffentlichte ein beliebter Künstler 2017 ein Album, dessen erstes Lied eine gesprochene Einführung bietet. Tat Track führt die folgende Liste von zehn solchen Songs an, die eher mit Sprache als mit Gesang beginnen.

Mirage von Toro Y Moi

Chaz Bundick eröffnet die Boo Boo-CD 2017 mit diesem Titel, der damit beginnt, dass er sagt: „Ich möchte nur, dass alle eine gute Zeit haben, das tue ich wirklich.“

Andy Warhol von David Bowie

Hunky Dory zeigt diese Ode an den exzentrischen Künstler, beginnend mit Bowie, der verschiedene Aussprachen des Namens im Titel ausprobiert.

Lieb mich, ich bin ein Liberaler von Phil Ochs

„Jede amerikanische Gemeinde hat verschiedene Schattierungen politischer Kommentare“, sagt Protestsänger Ochs im Intro zu diesem Klassiker. „Das schattigste davon sind die Liberalen, fünfundzwanzig Grad links vom Zentrum, wenn die Zeiten gut sind, aber fünfundzwanzig Grad rechts vom Zentrum, wenn es sie persönlich betrifft.“

Bob Dylan, der für seine Schriften einen Nobelpreis gewann, verglich den Tag des Jüngsten Gerichts einmal mit einem langsamen Zug. Hier sind zehn weitere Songs, deren Namen dieses veraltete romantische Transportmittel als Metapher verwenden.

Liebeszug durch die O Jays

In der Antikriegszeit der siebziger Jahre nach Vietnam sangen die R & B-Hitmacher über einen mit Liebe gefüllten Eisenbahnwagen.

Friedenszug von Cat Stevens

Krieg war in den Schlagzeilen, als dieser Folk-Rock-Hit das Radio besaß und eine Vision einer Welt ohne Gewalt bot.

Ghost Train von Elvis Costello

Maureen und Stan sind ein Paar, das niemand bemerkt, als wären sie immaterielle Geister. Die Melodie hat das typische Wortspiel von Costello, wie „Er hat ein blaues Auge von einer Kellnerin, sie sieht keine Sterne.“

 

 

Slow Train To Dawn von The

Matt Johnson nutzte das Konzept, um eine lange Nacht zu betonen, die er durchgemacht hatte, und es wurde eines der Highlights auf seinem zweiten Album Infected.

Phantomzug bei den Bongos

Dieser Titeltrack stammt von einem Album, das die Alt-Rocker 1986 aufgenommen hatten und das nur etwa dreißig Jahre lang auf Eis gelegt wurde.

Kleiner schwarzer Zug von Woody Guthrie

Ob es Ihnen gefällt oder nicht, sagt die Volkslegende hier, diese Metapher für den Tod kommt irgendwann für alle.

Silberzug bei den Rolling Stones

Hier haben wir das Schienenfahrzeug, das eine Prostituierte darstellt, mit der der Sänger an der Aufnahme von Sticky Fingers beteiligt war, aber das Lied erschien erst auf dem Goatshead Soup-Album.

Hier sind fünfzehn andere weniger beliebte Songs, die herausfordernder hätten sein können, wenn sie in diese Kategorie aufgenommen worden wären. Drei Worttitel, die mit demselben Wort beginnen und enden. Da Wilco zwei solcher Songs hat, „War On War“ und den Titeltrack aus dem Sky Blue Sky-Album, wurden sie ausgeschlossen.

Sag niemals nie von Styx

Cornerstone brachte größere Hits wie „Babe“ und „Why Me“ hervor, aber dieser Track ist einer der herausragenden Titel dieses Albums.

Tag für Tag von Godspell

Als ob das Lied aus dem Hit-Musical ein stärkeres Argument für Unsterblichkeit brauchte, singt Homer in einer Episode von The Simpsons eine denkwürdige Version.

My Oh My von Macklemore und Ryan Lewis

Nur wenige Songtitel bestehen nur aus einem Pronomen und einer Interjektion, so dass das moderne Duo vor einigen Jahren eine ziemliche Leistung vollbracht hat.

Run Joey Run von David Geddes

Joey ist das Ziel eines unzufriedenen Vaters, aber die Kugel trifft und tötet stattdessen seine Tochter.

Home Sweet Home von Motley Crue

Der urige Titel scheint der für die beliebte Metal-Band typischen Heavy-Musik zu glauben.

Hand in Hand von Elvis Costello

Es ist nicht das Liebeslied, das durch seinen Namen angezeigt wird, aber es ist einer der liebenswertesten Tracks von This Year’s Model.