So finden und gestalten Sie einen Wintergarten

David Allmendinger gründete 1872 die Ann Arbor Organ Works in seinem Haus an der nordwestlichen Ecke von Washington und der First Street in Anne Arbor, Michigan. Das vierstöckige Gebäude ist noch heute dort.

Allmendinger hat sich auf die Herstellung von Reed-Organen spezialisiert. Die Rohrorgel war früher in ländlichen Gebieten beliebter als das Klavier, weil sie billiger war, nicht so viel gestimmt werden musste wie ein Klavier und viel leichter war. Auch die Rohrorgel war eine wünschenswerte Alternative zu der teuren Pfeifenorgel, die sich viele Kirchen einfach nicht leisten konnten.

Reed-Orgeln verwenden ein kleines Stück Messing, das etwa einen halben Zoll breit und ein bis fünf Zoll lang ist und auf Holzblöcken montiert ist. Das Fußpedal ist am Balg befestigt und wird beim Spielen von den Füßen betätigt. Die vom Balg erzeugte Luft wird ähnlich wie bei einer Mundharmonika zwischen das Schilf gesaugt.

In den 1860er Jahren wurden mit der Erfindung der Dampfkraft Massenproduktion und niedrigere Preise möglich. Die meisten Städte mit mehr als 25.000 Einwohnern hatten höchstwahrscheinlich eine Orgelfabrik.

David Allmendinger lernte sein Handwerk von seinem zukünftigen Schwiegervater Gottlieb Gaertner, einem Orgelbaumeister aus Ludwigsburg. Gottlieb arbeitete bei Walker Pipe Organ Works und kam 1867 wegen Krieg und Cholera in Deutschland nach Amerika. Er zog nach Anne Arbor, weil seine Schwestern früher dorthin gezogen waren.

Gottlieb fängt jetzt mit begrenzten Mitteln ganz von vorne an und beginnt in seiner Garage Schilforgeln herzustellen. Er fertigte jedes einzelne Teil von Hand mit einfachen Holz- und Metallbearbeitungswerkzeugen.

Ein Studio enthält eine Menge hochwertiger, teurer Instrumente und Elektronik, so dass manche Leute vor der Idee zurückschrecken, es in einer vollständig gläsernen Struktur unterzubringen. Bei richtiger Gestaltung ist ein Wintergarten jedoch eine langlebige, hocheffiziente und wetterfeste Glasstruktur. Durch die Verwendung eines haltbaren und thermisch verbesserten Materials für das Gerüst, wie z. B. Aluminium, wird sichergestellt, dass die Struktur im Laufe der Zeit nicht verrottet, rostet, sich verzieht und sich verschlechtert. Die Implementierung der richtigen Verglasungsoptionen bietet sowohl Geräuschreduzierung als auch Sicherheit für die Geräte. In Kombination mit anderen Alternativen wie Polycarbonat kann ein ästhetisch ansprechendes und funktionales Musikstudio für Wohnanwendungen geschaffen werden. Polycarbonat ist eine robuste Alternative zu Glas, die auch starken Stößen standhält und zum Schutz der Musikausrüstung beiträgt. Das Isolieren des Polycarbonats mit Lumira®-Aerogel unterstützt die Schallabsorption und die Steuerung der Dynamik des Studios.

 

 

Die Steuerung des Klangs ist in einer Studioanwendung wichtig, und dies ist in einem Wintergarten möglich. Die Verwendung von Lumira® und anderen akustisch bewerteten Verglasungsoptionen trägt zur Reduzierung der Geräuschübertragung bei. Die akustischen Bewertungen werden durch die Schallübertragungsklasse (STC) und die Außen-Innen-Übertragungsklasse (OITC) eines Produkts bestimmt. STC beschreibt, wie gut ein System Schallwellen in der Luft reduzieren kann, während OITC die Rate angibt, mit der Schall zwischen Außen- und Innenräumen übertragen wird. Das Absorbieren von Ton ist in einem Musikstudio von gleicher Bedeutung. Materialien mit einem hohen Geräuschreduzierungskoeffizienten (NRC), wie z. B. Schaumstoffpolster, tragen zur Schallabsorption bei und schaffen ein effizienteres Heimmusikstudio. Schwere Vorhänge und Veloursstoffe können aufgehängt werden, um sicherzustellen, dass das gesamte Studio die höchsten Schallabsorptionseigenschaften aufweist

So finden Sie die richtigen Konzertorte

Kapazität

Wenn Sie nach einem Ort suchen, an dem Sie in einer neuen Stadt spielen können, müssen Sie ein realistisches Verständnis für Ihre Auslosung haben. Diese Nummer ist wichtig für die Buchung von Konzertorten. Sie möchten immer eine Website buchen, deren Kapazität weniger als die erwartete Verlosung beträgt. Wenn Sie beispielsweise wissen, dass Sie 50 Personen in die Tür bekommen können, buchen Sie einen Platz mit einer Kapazität von nur 49 Personen. Sie möchten den Platz ausverkaufen.

Atmosphäre

Sie müssen berücksichtigen, welche Art von Musik Ihre Band spielt, und sicherstellen, dass sie mit der Atmosphäre des Ortes übereinstimmt, den Sie buchen. Wenn Ihre Band beispielsweise eine Hard Metal-Band ist, buchen Sie kein Café. Ebenso wollen erwachsene zeitgenössische Singer / Songwriter mit Sicherheit nicht in einem Club sein, der auf Headbanger ausgerichtet ist.

Ruf

Während die Atmosphäre wichtig ist, möchten Sie mit seriösen Konzertorten Geschäfte machen. Bevor Sie Ihre Band planen, gehen Sie ins Internet und sehen Sie, was andere über den Ort sagen. Es gibt Websites, die sowohl Kunden- als auch Darstellerbewertungen enthalten. Sie möchten beide Typen überprüfen, um festzustellen, wie gut der Ort respektiert wird. Sie werden keine gute Show haben, wenn Sie Schwierigkeiten haben, mit den Eigentümern umzugehen, und wenn Kunden schlechte Erfahrungen gemacht haben, werden sie nicht herauskommen, selbst wenn sie Ihre Gruppe lieben. Denken Sie daran, der Ort sollte sowohl Sie als auch Ihre Fans mit Respekt behandeln.

Kosten

Wenn Sie direkt mit dem Standort buchen, variieren die Kosten. Wenn Sie neu in der Gegend sind und nicht viel über Ihre Gruppe wissen, müssen Sie wahrscheinlich einen Prozentsatz der Tür zum Standort bezahlen.

Umsatzbeteiligung im Musikgeschäft

Die gesamte Musikindustrie befindet sich in einem massiven Klimawandel. Niemand kann dir sagen, wie es enden wird. Eines können wir schon früh sagen: Jeder Künstler wird es nicht lebend herausfinden. Hier sind 5 Möglichkeiten, wie Sie mit Revenue Sharing die Apokalypse überleben können.

1. Durch die Aufteilung der Einnahmen werden Sie sofort mitten in den Gewinn geraten. Natürlich werden Sie nicht Hunderte pro Tag verdienen [nun, Sie können es tatsächlich, ABER wir werden das für den nächsten Artikel speichern]. Sie werden etwas Geld verdienen. Vielleicht beginnen Sie mit nur 0,60 Cent oder 1,00 USD pro Tag Gewinn, den Sie durch den Besitz eines Anzeigenpakets erhalten.

2. Revenue Sharing ist nur ein Teil des Puzzles. Wenn Künstler zum ersten Mal etwas über Revenue Sharing-Plattformen erfahren, sind die meisten von ihnen so aufgeregt, dass sie endlich Geld mit ihrer Musik verdienen. Sie beginnen, andere Teile ihres Musikgeschäfts zu vernachlässigen.

3. Obwohl Ad Packs und Credit Packs KEINE finanziellen Investitionen sind, handelt es sich um Investitionen in Ihre Musikgeschäftstools und Ihr Team.

4. Die Aufteilung der Einnahmen im Musikgeschäft bietet den Fans auch einen Anreiz, Ihre Musik zu unterstützen und zu fördern. Nicht alle Fans werden Ihre Waren und Beute wollen.

Bist du nicht müde, Songs zu machen, die nirgendwo am Küchenherd vorbei gehen? Bist du es nicht leid, mit all deinen musikalischen Gaben kein Geld zu verdienen? Ich glaube, das ist es, was jeder Künstler, der ein bezahlter Künstler sein möchte, über Revenue Sharing-Werbeplattformen wissen muss. Mit Revenue Sharing können Künstler ihre Musik problemlos aufnehmen und Hunderttausenden von Menschen zugänglich machen, die sie hören möchten.

Erinnerst du dich an den absoluten „BANGER“ eines Songs, den du letztes Jahr gemacht hast? Sie haben sich tagelang hingesetzt und daran gearbeitet, bis Sie nur wussten, dass es definitiv „die Menge bewegen“ würde. Dieses eine Lied gab Ihnen das Gefühl, dass sich all Ihre Jahre harter Arbeit und Opfer endlich ausgezahlt hatten. Du warst „auf der nächsten Ebene“.

Ein Jahr später haben Sie Dutzende von Songs gemacht, die noch besser sind als diese. Wenn Sie so etwas wie ich sind, haben Sie Festplatten, CDs und Memory Sticks voller erstaunlicher, unbezahlbarer Kunst.

Vor Jahren habe ich beschlossen, all meine kleinen Juwelen zu nehmen und das schlechteste Album zusammenzustellen, das sich jemals ein Mensch vorgestellt hat. Dieses Projekt würde Leben verändern. Meine Kämpfe, meine Triumphe, meine Höhen und Tiefen. Ich wickelte meine kostbare Musik in einen großen Bogen.

Lassen Sie mich erklären, was ich Ihnen meine. Jeder Künstler möchte „in die Luft jagen“. Jeder A & R sucht nach dem nächsten großen Ding. Jeder Manager möchte diese Gruppe brechen. Jeder dieser Menschen benötigt Engagement und Geld, um erfolgreich zu sein. Zum größten Teil kämpft jeder dieser Menschen darum, seine Ziele in Bezug auf Exposition und Geld zu erreichen. Sogar Menschen, die Zugang zu Exposition haben, leiden, wenn sie versuchen, ihre Kunst zu fördern. Tyrese und Brandy singen in den U-Bahnen, um die Leute dazu zu bringen, sich zu engagieren und zu kaufen.

 

 

Alle Leute in der Musikindustrie kämpfen, weil sie nicht aufpassen. Heutzutage gibt es Anzeigenplattformen mit Umsatzbeteiligung, die nach Inhalten hungern, Ihnen Millionen von Ansichten bieten können und auch Einnahmen mit Ihnen teilen.

Jeder Künstler kann sich sofort auf der Anzeigenplattform anmelden und mit der Umsatzbeteiligung an der Werbefirma beginnen. Diese Anzeigenplattformen zeigen nur Werbung. Sie werden Ihre Musik als Werbung verwenden. Wenn Sie den Umsatz mit dem Unternehmen teilen, erhalten Sie Gewinne aus Ihrer Werbung.

Wenn Sie ein A & R sind, sind Anzeigenplattformen mit Umsatzbeteiligung ein perfekter Prüfstand für die Entwicklung Ihrer Acts-Marke, ohne sich Gedanken über das Geldverdienen machen zu müssen. Zuerst testen Sie Ihr gesamtes Branding auf der Anzeigenplattform und sehen genau, welche Arten von Motiven die meiste Aufmerksamkeit und das größte Engagement erhalten. Während Sie testen, verdienen Sie Geld mit der Aufteilung der Einnahmen auf der Plattform. Wenn Sie wissen, welche Materialien am besten „funktionieren“, können Sie Ihre Gewinne aus der Umsatzbeteiligung verwenden, um bezahlte Werbung in den gängigeren Werbemitteln zu kaufen. Dies macht Ihre Werbung kostenlos. Ihre Werbekosten betragen Null. Denken Sie darüber nach, was ich gerade gesagt habe.

Für Manager ist Führung und Vision Ihr Kapital. Ich habe gerade erklärt, wie die Aufteilung der Einnahmen sowohl Künstlern als auch A & Rs helfen kann. Was können Sie nun mit Informationen tun? Welche Gelegenheit können Sie selbst sehen? Können Sie erfolgreich werden, indem Sie jede Handlung und Gruppe, die Sie verwalten, erfolgreich machen? Ich definiere Erfolg als Bekanntheit und Geldverdienen.

Hauptschritte bei der Aufnahme

Wie beginnen Toningenieure, einen Raum akustisch zu konstruieren?

Dies ist das erste, was ein Toningenieur berücksichtigen muss, bevor er den Raum als Postproduktionsraum nutzt. Einige Probleme können nicht allein durch Raumbehandlung gelöst werden. Hier sind einige.

Raumabmessungen – Verwenden Sie nach Möglichkeit keinen quadratischen Raum für ernsthafte Audioarbeiten. Quadrate führen zu dem schlimmsten Fall bei Raumresonanz – ein Phänomen, bei dem einige Frequenzen lauter werden als andere. Erstellen Sie einen Raum, der für die Raummodi dem Bolt-Verhältnis entspricht, oder erhalten Sie auf andere Weise einen rechteckigen Raum.

Wandmaterial – Sind die linke und die rechte Wand aus unterschiedlichem Material? Dies kann ein Problem darstellen. Dies würde bedeuten, dass der von diesen Wänden reflektierte Schall unterschiedlich ist – da unterschiedliche Materialien unterschiedliche Frequenzen absorbieren. Dies wirkt sich stark auf die Art und Weise aus, wie ein Tontechniker EQ verwendet und stark schwenkt. Wenn Sie nicht beabsichtigen, alle Wände zu polstern, wählen Sie einen Raum aus, in dem für Seitenwände dasselbe Material verwendet wird.

Probleme mit der Schallisolierung – Sie können nicht in Räumen arbeiten, in denen draußen ein hoher Geräuschpegel herrscht oder mechanische Geräte mit Brummgeräuschen vorhanden sind. Geben Sie Ihr Bestes, um Geräuschquellen zu entfernen und gegebenenfalls die Schallisolierung zu verbessern?

Länge, nicht Breite – Stellen Sie sicher, dass sich die Lautsprecher an einem Ende der Raumlänge und nicht an der Breite befinden, wenn Ihr Raum eine rechteckige Form hat. Wir brauchen so viel Abstand wie möglich vom Lautsprecher zur Rückwand, um zu verhindern, dass Rückreflexionen den Sitz des Toningenieurs beeinflussen.

Abstand von der Wand – Auch wenn Sie einen gewissen Abstand zwischen dem Lautsprecher und der Vorderwand lassen, stellen Sie sicher, dass diese nicht das gleiche Vielfache haben. Wenn der Abstand von der Vorderwand beispielsweise 1 m beträgt, darf der Abstand an der Seitenwand nicht 2 m, 3 m betragen. Lassen Sie es etwas dazwischen liegen, um Resonanzprobleme zu reduzieren. Halten Sie auch den Abstand zu den Seitenwänden gleich.

Während Sie vorhaben, einen Song für sich selbst aufzunehmen, müssen Sie bestimmte Schritte ausführen, um das Endprodukt zu erhalten. Die Schritte werden unten erklärt –

* Komposition – Möglicherweise haben Sie bereits einen Song mit den erforderlichen musikalischen Eingaben geschrieben, aber wenn Sie ein Studio betreten, gibt es immer Raum für Improvisation oder Veränderung. Es ist immer willkommen, während der Aufnahme eines Songs wesentliche Änderungen vorzunehmen, um den Song zusammen mit den Texten und der Musik perfekt zu machen.

 

 

* Personen, die die Aufnahme leiten – Abgesehen von den Sängern und Musikern, die beabsichtigen, ihre Songs aufzunehmen, stellen vier weitere Personen sicher, dass das Aufnahmeverfahren ordnungsgemäß durchgeführt wird.

* Nehmen Sie es mit der Zeit auf – es ist nicht möglich, sofort ins Studio zu gehen und mit der Aufnahme eines Songs zu beginnen. Sie müssen sich an die Ausrüstung und die Anweisungen des Ingenieurs anpassen und schließlich mit der Aufnahme beginnen.

* Mastering – Während das Lied endgültig aufgenommen wird, muss es gemastert werden. Durch das Mastering wird die Musik perfektioniert, wenn Geräusche und Störungen beseitigt werden, damit die Aufnahme beim Anhören gut klingt.

Checkliste für die CD-Herstellung

– Audio-Master
– Audio- und ggf. Bild-Copyright-Dokumentation
– Zugelassene CD-Disc und CD-Verpackungsgrafiken
– ISRC-Codes (Ihre CD-Vervielfältigungsfirma sollte diese liefern können)

Vollständige Zahlung (Die meisten CD-Vervielfältigungsunternehmen verlangen eine vollständige Zahlung, bevor sie mit dem Auftrag fortfahren, es sei denn, sie stellen eine Gesellschaft mit beschränkter Haftung in Rechnung. Gehen Sie nicht davon aus, dass Sie sich auf Albumverkäufe verlassen können, um die Rechnung nach der Veranstaltung zu bezahlen.)

Bestellmenge (je mehr CDs Sie bestellen, desto niedriger sind die Stückkosten). Wenn Sie beim ersten Mal nicht genug bestellen, kann es zu einem Schock kommen, wenn Sie versuchen, nach der Hauptcharge eine geringere Menge zu bestellen. Betrachten Sie den Verkauf von Verkaufsständen, Werbung, Online-Verkäufe usw.

Besorgen Sie sich einen Barcode, wenn Ihr Album im Einzelhandel verkauft werden soll. Auch hier sollte Ihre CD-Kopierfirma in der Lage sein, dies für Sie zu klären.

Was brauchen Sie für den Warenstand?

Ein angemessener Teil des Einkommens Ihrer Band könnte aus dem Warenstand stammen, oder wenn Sie vorher nicht viel darüber nachgedacht haben, könnte dies eine neue Gelegenheit für Sie sein. Es kann fast alles bedruckt werden, sodass Sie sich Gedanken über die weniger offensichtlichen Artikel machen können, wenn auch zunächst in kleinen Mengen, um zu sehen, wie der Verkauf verläuft. Folgendes berücksichtigen:

T-Shirts oder Hoodies mit dem Bandlogo, Informationen zur Albumveröffentlichung, Tourdetails usw.

– DVDs mit Live-Auftritten der Band
– Signierte gedruckte Fotos
– Signierte CDs
– iPhone-Hüllen mit Ihrem Band-Logo
– Gedruckte Tassen
– Aufkleber und Poster mit Bandinformationen

Sie müssen sicherstellen, dass die Drucker genügend Zeit haben, um Ihre Bestellung bei Ihnen zu erhalten. Tun Sie nicht alles in letzter Minute. Geben Sie Ihre Bestellung auf und geben Sie sich eine Woche Zeit, um Ihre geistige Gesundheit zu retten.

Holen Sie sich großartige Snare Drum Sounds mit EQ

EQ

Wenn Kick und Snare nicht gleichzeitig vom Schlagzeuger gespielt werden, mache ich normalerweise einen ziemlich großen Schub für die Snare-Drum im Bereich von 90 Hz – 150 Hz. Vielleicht 5 dB mit einem ausreichend breiten Q. Dies verleiht der Snare-Trommel Körper und verleiht ihr ernsthaftes Rindfleisch.

Manchmal, wenn ich das Gefühl habe, dass die Snare-Spur etwas matschig und kastenförmig ist, schneide ich im Bereich von 300 Hz – 500 Hz bis zu 10 dB. Normalerweise mache ich ein enges Q, damit ich nicht zu viel vom Leben der Snare-Drum wegnehme. Ich mache manchmal einen sehr engen Q-Cut von vielleicht 7 dB um 250 Hz, um die störende Resonanz zu entfernen, aber manchmal lässt dieser Bereich die Snare kräftig und voll klingen.

Versuchen Sie für mehr Angriff auf die Snare und für zusätzlichen Biss einen 3-dB-Boost mit einem breiten Q im Bereich von 1700 Hz – 2700 Hz. Fegen Sie herum und finden Sie heraus, wo der Schub sein sollte. Boosten Sie nicht zu viel, da die Luft den Snare-Sound wirklich funkeln lässt und ihm einen übermäßig verarbeiteten Sound verleiht, ohne dass Sie es zuerst bemerken. Manchmal kann ein hohes Regal über 8000 Hz mit einem Boost von etwa 3 dB Ihrer Snare viel Luft hinzufügen, aber wenn viele Leute dies tun, erhalten sie einen überbearbeiteten, funkelnden Sound, der Ihren Mix zerstören kann.

Verwenden Sie diese Richtlinien und experimentieren Sie, um festzustellen, ob Sie den gewünschten Snare-Sound finden.

Hochpass- und Tiefpassfilter
Ich übergebe immer das, was ich nicht brauche, aus meinen Instrumenten. Aber ich mache es immer ziemlich subtil. Die Verwendung von steilen Schnitten kann dazu führen, dass Sie einen unnatürlich verarbeiteten Klang erzeugen.

Wenn Sie mit all Ihren Instrumenten alles, was Sie nicht brauchen, aus dem unteren Bereich herausschneiden, außer Kick Drum und Bassgitarre, erhalten Sie sofort mehr Klarheit in Ihrem Mix und schaffen so viel Headroom. Wenn Sie das Gefühl haben, durch Hochpass einen unnatürlich verarbeiteten Klang zu erhalten, verwenden Sie stattdessen ein niedriges Regal und schneiden Sie vorsichtig ab, was Sie nicht benötigen.

 

 

Vergessen Sie nicht, Tiefpassfilter zu verwenden, während jeder Hochpassfilter verwendet. Das Herausfiltern nicht benötigter Höhen kann Ihren Mix wirklich aufräumen und Dinge wie Becken und das High-End von Akustikgitarren durch den Mix scheinen lassen.

Achten Sie bei der Verwendung von Hochpass- und Tiefpassfiltern darauf, dass Sie nicht zu viel von Ihrem ursprünglichen Signal entfernen.

Der nervige 3000 Hz Bereich
Im Bereich von 3000 Hz gibt es diesen wirklich nervigen Ton. Es macht den Klang irgendwie hart und unangenehm. Normalerweise mache ich einen ziemlich breiten Q-Cut von ein paar dB um diesen Bereich, um diesen Ton einfach zu entfernen, normalerweise bei Gitarren und Snares. Manchmal kann auch die Sättigung dazu beitragen, diesen Bereich ein wenig zu glätten. Wenn ich die Sättigung verwende, zwicke ich die Knöpfe, bis dieser Bereich etwas geglättet und abgerundet ist, und entferne ihn dann mit leichtem EQ ein wenig.

Der Beatles-Weg

Die Beatles-Methode zur Verarbeitung der Overheads ist ganz anders. Denken Sie an einige der frühen Tracks der Beatles, bei denen die Becken schmutzig sind und höllisch komprimiert klingen und für immer zu klingen scheinen. Es ist ein großartiger Sound.

Zuerst beginne ich mit einem Kompressor. Ich drehe die Schwelle auf ca. -20 dB herunter. Dann habe ich ein Verhältnis von ca. 40: 1. Normalerweise benutze ich einen langsamen Angriff und auch einen langsamen Release. Dies zerstört die Dynamik der Overheads vollständig, verleiht ihr jedoch den typischen Sound. Stellen Sie sicher, dass Sie Ihre Kick- und Snare-Tracks so mischen, dass sie wie ein echter Drum-Track klingen!

Als nächstes mache ich normalerweise nur einfaches Equing und rolle viel vom unteren Ende ab. Ich füge dann ein ziemlich drastisches hohes Regal hinzu, damit die Becken klingeln. Experimentieren Sie einfach und sehen Sie, was für Sie gut funktioniert.

Die Sättigung ist normalerweise mein nächster Schritt, während ich diesen schmutzigen Beatles-Drum-Sound erreiche. Spielen Sie mit Ihrem Sättigungsstecker mit dem Nass / Trocken-Signal und finden Sie den gewünschten Sound. Die Sättigung kann die Höhen der Becken und alle anderen Resonanzfrequenzen wirklich glätten und sie für das Ohr angenehmer machen.

Manchmal lässt der Sidechain-Kick und die Snare zu den Beatles über ihnen die Becken wirklich zum Leben erwecken. Das zusammen mit etwas Hall kann Ihre Overheads absolut zum Leben erwecken.

Das ist normalerweise so weit wie ich gehe, um den Beatles-Overhead-Drum-Sound zu erreichen.

Fazit
Ich hoffe, diese Tipps haben Ihnen bei der Verarbeitung der Drum-Overheads geholfen, um den gewünschten Sound zu erzielen. Verwenden Sie diese Tipps als Leitfaden, um Ihren perfekten Drum-Sound zu finden.

So erstellen und verarbeiten Sie Gitarrensounds

Wir alle möchten, dass unsere Gitarren groß, breit und kraftvoll klingen. Ob Sie nun den nächsten Rock’n’Roll-Kulthit machen oder eine akustische Folk-Melodie aufnehmen. Ein riesiger Gitarrensound, der über das gesamte Stereofeld sprühen kann, kann einen enormen Einfluss auf den Hörer und einen enormen emotionalen Einfluss auf den Song haben .

1. Weniger ist mehr

Beim Überlagern von Gitarrenspuren neigen die Leute dazu, gedankenlos in die Spur von rauen Power-Akkorden usw. zu springen und diese zu überlagern. Dieser Vorgang bewirkt normalerweise, dass das Endprodukt wie eine Wand aus weißem Rauschen klingt und die Noten des Songs grob bilden. Dies führt dazu, dass die Gitarren alle schwach und dünn klingen und überhaupt nicht emotional stark sind.

2. Doppelte Verfolgung

„Hey Evan, was ist Double Tracking?“ Double Tracking ist, wenn Sie eine doppelte Spur über eine andere überspielen, z. B. eine Vokal- oder Gitarrenspur. Dies passiert normalerweise, wenn jemand einen breiten Gitarrentrack haben möchte, den Take aufnimmt, dann einen zweiten Take aufnimmt und jeden Take hart nach links und rechts schwenkt. Diese Technik eignet sich hervorragend für Akustikgitarren. In dem Song Horizon von Daft Punk hat das Intro eine zweispurige Akustikgitarre, die links und rechts stark geschwenkt ist. Es gibt die Illusion einer einzelnen, wirklich breiten Stereo-Gitarrenspur. Es funktioniert auch gut bei sauberen E-Gitarren. Persönlich mache ich dieses harte linke und rechte Doppel-Tracking nur, wenn in einem Mix nicht zu viel los ist. Ich würde es hauptsächlich für Intros oder Pausen von Songs oder was auch immer tun, aber wenn es einen Chorus-Part mit vielen Elementen gibt, würde ich diesen doppelspurigen Part normalerweise auf eine einzelne Mono-Spur zurückziehen und andere Elemente in das Stereofeld passen und atmen lassen.

3. Wählen Sie die richtigen Gitarrentöne

Viele Leute wollen einfach nur direkt hineinspringen und einen anderen Gitarrentrack ablegen, aber dies kann zu einem Durcheinander und einer Wand aus weißem Rauschen führen, wie ich in Punkt 1 erwähnt habe. Es ist wichtig, den richtigen, kraftvollen Gitarrenton einzuwählen, den Sie zuvor benötigen Aufzeichnung.

Lassen Sie den Bass scheinen

Die Akustikgitarre ist ein sehr natürlich klingendes Instrument. Seien Sie also nicht zu hart, wenn es darum geht, vom unteren Ende abzurollen. Normalerweise rolle ich unter 50 Hz, nur um extreme Tiefs und Rumpeln zu entfernen, die Probleme verursachen können. Aber das Low-End einer Akustik ist sehr schön, lassen Sie es durchscheinen. In vielen Songs, an denen ich gearbeitet habe, hat das Intro oder ein anderer Teil des Songs möglicherweise nur eine eigene Akustik, sodass es nicht mit anderen Instrumenten kollidiert. In diesem Fall kann ich tatsächlich den Bass verstärken! Haben Sie keine Angst davor, den Bass einer Gitarre durchscheinen zu lassen, nur weil Sie es so gewohnt sind, das gesamte Low-End herauszuschneiden.

 

 

Die ‚hässlichen‘ niedrigen Mitten

Der Bereich von 250 Hz – 500 Hz wird normalerweise als schlammig und hässlich bezeichnet. Ich habe dem zugestimmt, aber ich habe auch erwähnt, dass es auf einigen Instrumenten erstaunlich klingen kann. Die Akustikgitarre kann in diesem Bereich erstaunlich klingen. Springen Sie nicht zum Schluss und schnitzen Sie diesen Bereich sofort weg, hören Sie zu und sehen Sie, wie die Gitarre in diesem Bereich klingt. Es ist ein sehr schöner Resonanzklang.

Komprimierungstechniken

Akustikgitarre ist in der Regel sehr vorübergehend schwer und auch sehr dynamisch, sowohl mit tiefen als auch mit hohen Parts. Mit einem Kompressor mache ich normalerweise ein Verhältnis von 4: 1 und stelle dann die Angriffszeit auf ungefähr 160 ms ein. Dadurch kann der Übergang unkomprimiert durchscheinen, bevor der Rest des Klangs komprimiert und lauter wird, wodurch der Gesamtklang gleichmäßiger wird. Ich optimiere dann die Veröffentlichung, bis sie mit dieser bestimmten Mischung gut klingt, aber normalerweise sind es ungefähr 400 ms.

Wie man Bassgitarre und Bassdrum durch den Mix schneidet

1. Kompression und Gating

Für Bass können Sie das Signal wirklich unterdrücken und trotzdem den Ton gut und gesund klingen lassen. Mit viel Komprimierung können Sie den Pegel unerwünschter Geräusche an den Parts erhöhen, die der Bass nicht spielt. Denken Sie also daran, diese Parts zu bearbeiten oder ein Gate zu verwenden, um sie zum Schweigen zu bringen.

2. Ausgleich

Seien Sie beim Gleichsetzen von Instrumenten, insbesondere von wichtigen Instrumenten wie Bass und Bassdrum, subtraktiv. Versuchen Sie, mehr zu schneiden, als Sie steigern. Es ist eine Denkweise, die Sie versuchen sollten, so schnell wie möglich als eine Person zu erlangen, die einem Instrument gleichkommt. Versuchen Sie beim Boosten, sich auf einen Boost von weniger als 4 dB zu beschränken, nur ein kleines Trinkgeld.

3. Verzerrung / Sättigung / Harmonische

Dieser Teil ist wirklich der Schlüssel, um Instrumente herauszubringen und sie direkt durch die Mischung schneiden zu lassen. Dies ist es, was dazu führen kann, dass der Schläger Ihrer Kick-Drum und die hohen Mitten Ihres Basses auf Ihren beschissenen Laptop-Lautsprechern oder Ihren winzigen Kopfhörern durchschneiden.

Abschließend hoffe ich, dass dieser Artikel Sie darüber aufgeklärt hat, wie Sie einen riesigen Gitarrensound in Ihre Mixe bringen können. Nutzen Sie dieses Wissen, das ich Ihnen heute gegeben habe, und experimentieren Sie mit diesen Techniken, um zu sehen, was in Ihrem Mix gut funktioniert.

Tipps für eine effektive gemischte Stimme

Die Bassdrum und Snare sind meiner Meinung nach der König und die Königin des Drum-Sets und einige der wichtigsten und lautesten Teile der meisten Songs. Es ist wichtig, dass Kick und Snare wirklich druckvoll klingen, um einen gut klingenden Gesamtmix zu erhalten. In diesem Artikel werde ich mein Wissen darüber teilen, wie man diesen druckvollen, professionell klingenden Kick und Snare bekommt.

Die Kick Drum

Um mit der Kick Drum oder Bass Drum zu beginnen, benutze ich ein Gate. Ich benutze ein Gate besonders für Live-Drums, da die anderen Drums möglicherweise vom Bassdrum-Mikrofon aufgenommen werden. Ich benutze manchmal ein Gate, wenn ich Drumcomputer mische, da ich möchte, dass die Drum etwas enger wird oder wenn die Aufnahme, die ich habe, ein Geräusch hat, das ich nicht brauche. Das Gate ist ein guter Weg, um einen Drum-Sound dichter und druckvoller zu machen. Wenn Sie eine live aufgenommene Trommel stark ansteuern, klingt dies möglicherweise unnatürlich. Mischen Sie sie daher unbedingt mit dem Rest des Kits, insbesondere mit den Overhead-Mikrofonen, um einen natürlichen Klang zu erzielen, während Sie den schnellen Schlag beibehalten.

Normalerweise benutze ich als nächstes ein Sättigungs-Plugin. Ich benutze die Sättigung, wenn ich das Gefühl habe, dass sich die Bassdrum nicht warm oder rund genug anfühlt. Ich benutze auch die Sättigung, um das obere Ende des Drum-Sounds hervorzuheben. Ich verwende dazu eher die Sättigung als einen EQ, da drastische EQ-Änderungen unnatürlich klingen können. Die Sättigung kann einen schönen Schlag und Schlag hinzufügen, den EQ und Komprimierung nicht ganz erreichen können.

Wärme und Schlag
Die Sättigung ist ein großartiges Werkzeug, um Wärme zu erzielen und eine Mischung zu erzielen. Manchmal macht ein Sättigungs-Plugin das, was ein EQ in einer Million Jahren nicht konnte. Normalerweise füge ich viel Sättigung hinzu. Also füge ich meinen Mixelementen eine sehr subtile Sättigung hinzu und alles baut sich auf und erzeugt eine üppig klingende, farbenfrohe Gefühlsmischung.

Wie ich die Sättigung am Schlagzeug verwende
Für Schlagzeug ist die Sättigung ein großartiges Werkzeug. Es kann wirklich davon abhängen, für welche Art von Drum-Sound Sie sich entscheiden, und nicht von der klanglichen Größe des Mixes. Manchmal komprimiere ich den lebenden Sh * t aus meinen Drum-Overheads und füge eine Menge Komprimierung hinzu, um eine schöne alte Beatles-klingende Drum-Stimmung zu erhalten.

Verwenden mehrerer Arten von Sättigung und mehrerer Plugins
Obwohl ich fest davon überzeugt bin, dass Sie mit nur Standard-Plugins eine großartige Mischung erzielen können, ist es großartig, ein paar Sättigungs-Plugins zu besitzen, und ich werde Ihnen sagen, warum.

 

 

Jedes Plugin hat eine eigene akustische Signatur. Daher ist es manchmal gut, mehrere Plugins in Ihrem Mix zu verwenden, damit jedes Element seinen eigenen Klangabdruck hat, der es vom Rest des Mixes trennt.

Glücklicherweise werden heutzutage viele DAWs möglicherweise kostenlos mit mehreren Stock-Sättigungs-Plugins geliefert. Einige Sättigungs-Plugins verfügen auch über verschiedene Arten von Sättigungsalgorithmen, die Sie auswählen können. Machen Sie also das Beste daraus.

Effektive Orte zur Verwendung der Komprimierung in Ihrem Mix

Reverb und Delay komprimieren

Die Verwendung eines Kompressors an einem Hallbus kann die Mischung erheblich verbessern, wenn der Hall zu laut wird und dynamisch außer Kontrolle gerät. Eine starke Komprimierung kann sehr gut klingen, aber achten Sie darauf, dass Sie sie nicht übertreiben und das Leben entfernen.

Das Gleiche gilt für Delay-Busse. Die Komprimierung kann den Sound wirklich zähmen und verhindern, dass etwas zu außer Kontrolle gerät.
Die Verwendung von EQ auf einem Hall- oder Delay-Bus ist außerdem ein hervorragendes Werkzeug, um eventuell auftretende Schlammbildung zu beseitigen.

Die Toms schlagen lassen

Die Komprimierung von Toms kann zu erstaunlichen Ergebnissen führen. Die Verwendung einer ausreichend starken Kompression zusammen mit einem Gate kann Ihre Tom-Drums ernsthaft druckvoll machen. Selbst wenn Sie keine einzelnen Tom-Mikrofone und nur ein Overhead-Paar oder nur ein einziges Overhead-Mikrofon haben, kann die Komprimierung die Toms wirklich zum Erliegen bringen. Denken Sie an Songs wie Shine On You Crazy Diamond von Pink Floyd. Die Kompression der Toms macht sie wirklich druckvoll und kräftig und trägt wirklich zur Mischung bei.

Lassen Sie Ihre Drum Overheads erstaunlich klingen

Das Komprimieren der Drum-Overheads ist eine großartige Möglichkeit, Ihre Drums zum Platzen zu bringen. Sie können unerwünschte Transienten mit den Angriffs- und Veröffentlichungszeiten zähmen. Du kannst das Schlagzeug wirklich glätten und gleichmäßiger machen und dein Schlagzeug viel besser klingen lassen.

Wenn Sie sich für einen schwereren Drum-Sound entscheiden, können Sie die Drum-Overheads wirklich komprimieren und einen wirklich saftig klingenden Drum-Sound erzielen. Ein wirklich hartes Verhältnis und eine wirklich harte Schwellenwerteinstellung können dazu führen, dass die Becken für lange Zeit klingeln, kombiniert mit einer langen Release-Zeit. Wenn Sie die Overheads mit der Kick-Drum verbinden, können die Drums wirklich pumpen und atmen, was Ihrem Mix viel Leben und Energie verleiht.

Erstellen eines breitsprachigen Instruments im Mix

Mach eine zweite Aufnahme

Sagen Sie einfach, Sie haben ein Lied, und der Anfang des Liedes hat ein Gitarren-Intro, nur eine Gitarre für sich. Und Sie entscheiden, hey, es wäre schön, wenn das eine wirklich breite Stereo-Gitarre wäre, um das Stereofeld am Anfang ein wenig auszufüllen.

Eine Möglichkeit, einen breiten Track zu erhalten, besteht darin, einen zweiten Gitarren-Take zu überspielen, der genauso gespielt wird, sodass Sie im Wesentlichen doppelt verfolgen. Dann schwenken Sie die erste nach links und die zweite nach rechts. Das Endprodukt scheint eine wirklich breite Stereo-Gitarrenspur zu sein, wenn Sie es wiedergeben.

Probleme, auf die Sie stoßen können

Manchmal erhalten Sie einen Chorus-Effekt, den Sie nicht möchten. Dies kann behoben werden, indem für den zweiten Gitarren-Take leicht unterschiedliche Töne eingestellt werden. Dieses Problem kann auch behoben werden, indem Sie den zweiten Gitarrenpart locker spielen und nicht versuchen, den Original-Take zu stark zu duplizieren. Viele Ingenieure glauben, dass der Phaser / Chorus-Effekt dadurch verursacht wird, dass der zweite Teil nicht so fest gespielt wird, aber tatsächlich ist es die Ähnlichkeit der Originalaufnahme, die ihm diesen Klang verleiht.

Wenn Sie sich in einer Position befinden, in der Sie bereits Ihre zweite Aufnahme gemacht haben und nicht zurückkehren können und dieses Chorus-Sound-Problem haben, können Sie Folgendes versuchen:

Ich schnappe mir zuerst einen EQ. Dann mache ich einen Boost von ca. 6 dB und bewege mich im Spektrum, bis ich eine Stelle finde, an der der Boost beim ersten Gitarren-Take angenehm klingt. Wenn ich zum Beispiel den Boost bei 3000 Hz machen würde, würde ich bei meinem zweiten Take einen weiteren EQ bekommen und einen 6 dB-Cut bei 3000 Hz machen.

Diese Technik kann den Sound entfernen, den Sie nicht möchten. Spielen Sie mit dieser Technik herum und sehen Sie, was in Ihrem Mix am besten funktioniert. Versuchen Sie auch, ein paar weitere dieser Boosts / Cuts durchzuführen, und prüfen Sie, ob Sie den Sound entfernen können, den Sie nicht möchten.

 

 

Als ich den Bass in Pro Tools verarbeitete, warf ich einen Verstärkersimulator auf. Das allein fühlte sich ein bisschen „meh“ an. Es fühlte sich irgendwie falsch und leblos an, aber ich ging trotzdem weiter. Ich habe dann den mittleren Bereich bei den Versen ausgesprochen und dann bei den Pannen einen Tiefpassfilter automatisiert.

Verdammt, klang das schlecht? Alles daran klang extrem leblos und wirklich überbearbeitet. Also sagte ich: „Scheiß drauf, lass uns das noch einmal besser machen.“

Dieses Mal wusste ich in meinem Kopf, dass ich diesen Bass-Sound aufnehmen sollte, als ob die Mischstufe keine Option wäre. Anstatt meinen Bass direkt in mein Interface einzuspritzen, entschied ich mich stattdessen für einen Mikrofonverstärker. Oh Gott, als ich das tat, klang es so schön.

Als ich den Verstärker aufmikrofonierte, habe ich mich zuerst nicht wirklich darum gekümmert, wo ich mein Mikrofon auf den Verstärker stellen soll. Ich meine, alles, was man später mit einem EQ machen kann. Aber dann erinnerte ich mich, dass es immer besser ist, nur den Ton an der Quelle zu bekommen, als den Mist später daraus zu verarbeiten. Gleiches galt für das Wählen der Einstellungen am Verstärker. Ich habe nicht alles auf der Standardeinstellung belassen. Ich habe versucht, so nah wie möglich an den gewünschten Bass-Sound heranzukommen, also hatte ich den Bass-Regler bei 4, den mittleren Regler bei 3,5 und der Höhenknopf bei 0.

Ein weiterer großer Beitrag zum endgültigen Bass-Sound ist, wie ich ihn gespielt habe. Ich wollte einen wählerischeren Sound in den Versen, also meine ich, es ist ein Kinderspiel, ich werde dieses Mal einen Gitarren-Pick verwenden! Und so tat ich es und ich zupfte es gut, als ich diesen mutigen Sound brauchte. Und da ich diesen sanfteren Bass-Sound mit tiefen, passiven Fingern beim Zusammenbruch wollte, legte ich einfach den Pick auf meinen Schoß und spielte den Bass näher am Hals als zuvor und zupfte ihn sanft, um genau den Sound zu erhalten, den ich brauchte.

Der Endbass-Sound war unglaublich. 1 Million Mal besser als der ursprüngliche DI-Sound, den ich hatte, und das alles, weil ich den Sound an der Quelle so bekommen habe, wie ich es wollte, bevor ich einen EQ berührte.

Wenn Sie also abschließend spielen und aufnehmen, als gäbe es keine Mischbühne, wird es Wunder wirken, wie gut Ihr Song klingen wird und welche Emotionen Ihr Song vermitteln wird.

So verbessern Sie Ihre Musikkarriere auf YouTube

YouTube war ein RIESIGES Werbetool für Millionen von Künstlern. Wenn Sie es nicht nutzen, verpassen Sie es definitiv.

YouTube ist die drittgrößte Website der Welt (hinter Google und Facebook) und wohl die erste Möglichkeit, Musik zu hören, zu entdecken und zu teilen.

Bequemlichkeit und Kosten sind ein großer Teil dieser Verschiebung, aber „Teilbarkeit“ ist auch ein großer Faktor. Als wir Musik ausschließlich über terrestrisches Radio, Fernsehen und physische Medien wie CDs konsumierten, war es wirklich schwierig, diese Musik zu teilen. Mit einem Klick auf eine Schaltfläche können Sie sie jetzt mit buchstäblich Millionen von Menschen teilen. Was bedeutet das für Sie als Künstler? Holen Sie sich auf YouTube!

Einige Hinweise:

1. Warten Sie nicht, bis Sie ein Musikvideo mit hohem Budget haben, um etwas zu veröffentlichen. Natürlich möchten Sie, dass alles, was Sie veröffentlichen, von höchster Qualität ist, aber nicht auf Kosten der Nichtveröffentlichung. Sie können Tools wie TunesToTube verwenden, um einem MP3 ein Bild hinzuzufügen und es zu veröffentlichen, ohne etwas über das Bearbeiten von Videos zu wissen. Sie können Clips auf Ihrem Telefon aufnehmen, in denen Sie im Studio arbeiten, auftreten oder einfach nur rumhängen. Manchmal ist es sowieso besser, etwas Unpoliertes zu haben, weil es authentischer ist.

2. Veröffentlichen Sie Ihre YouTube-Videos auf Websites sozialer Netzwerke wie Twitter und Facebook sowie in Foren. Ein Teil dessen, was YouTube so bequem macht, ist, dass Leute diese Videos direkt von den Websites streamen können, auf denen sie bereits sind, anstatt zu YouTube.com gehen zu müssen

3. Seien Sie hartnäckig. Bei so vielen Inhalten kann es einige Zeit dauern, bis sich Ihre Videos durchsetzen. Weiter so.

4. Legen Sie konsequent neues Material heraus. Ihr Publikum wird begeistert sein, sobald es Sie und Ihre Musik kennenlernt. Lass sie nicht hängen, sonst gehen sie zur Unterhaltung woanders hin. Das Festhalten an einem Wochenplan ist eine großartige Idee

5. Antworten Sie auf Kommentare. Ab einem bestimmten Punkt wird es nicht realistisch sein, auf alles zu reagieren, aber die Leute möchten das Gefühl haben, dass Ihre Beziehung zu ihnen in beide Richtungen geht und es eine gewisse Interaktion hin und her gibt

6. Verwenden Sie Anmerkungen und Karten. Dies sind die Felder mit Text, die in Videos angezeigt werden. Sie können sie verwenden, um Leute zu ermutigen, Ihren Kanal zu abonnieren, auf Ihre Website zu gehen und andere Videos anzusehen.

 

 

Aber wie stellen Sie sicher, dass Ihr Video nicht gesperrt oder Ihr Konto geschlossen wird?

Um Ihr Cover-Song-Musikvideo legal auf YouTube zu veröffentlichen, benötigen Sie die Erlaubnis des ursprünglichen Copyright-Inhabers des Songs, um dessen Song in Verbindung mit Ihrer Cover-Aufnahme und Ihren Grafiken zu verwenden.

Obwohl die Standard-YouTube-Lizenz eine dünne Schutzschicht für gemeinfreie Songs bietet, garantiert sie nicht, dass der ursprüngliche Urheberrechtsinhaber des Songs, für den Sie sich entscheiden, automatisch seine Genehmigung anbietet. Dies bedeutet, dass Ihr Cover möglicherweise das Urheberrecht verletzen und bei entfernt werden kann Jederzeit.

Es gibt nichts Schlimmeres als dies, besonders nachdem Sie bereits einige Ansichten, Likes und Abonnements gesammelt haben.

Die Erlaubnis, die Sie benötigen, um legal zu arbeiten, wird als Synchronisationslizenz und mechanische Lizenz für den Song bezeichnet, den Sie für das Covering und die Veröffentlichung auf YouTube auswählen.

Es gibt viele Musikrechtsunternehmen, die Ihnen beim Erhalt dieser Lizenz helfen können. Sie können also Ihr Cover-Song-Video legal hochladen, freigeben und veröffentlichen – ohne das Risiko, dass es entfernt wird oder Urheberrechtsverletzungen begangen werden.

Anstatt Ihnen eine Gebühr zu berechnen, „monetarisieren“ sie Ihr Cover-Song-Video auf YouTube im Namen des ursprünglichen Herausgebers, sammeln Werbeeinnahmen von YouTube, die Ihr Cover-Song generiert, und teilen diese Einnahmen mit ihrem Kunden (Inhaber des Urheberrechts), falls Das Lied, für das Sie sich entschieden haben, befindet sich in ihrem Katalog.

Auf diese Weise kostet Sie das Löschen der Synchronisierungsrechte nichts und ermöglicht es Ihnen, Ihr Titelvideo legal zu veröffentlichen und zu teilen, wobei Ihre Ansichten, Likes, Abonnements und Follower erhalten bleiben.

Wenn Sie jetzt auch gelernt haben, wie Sie Ihre Cover-Musikvideos auf YouTube „markieren“, um mehr Aufrufe, Likes und Abonnements von der YouTube-Suchmaschine zu erhalten, können Sie einen Fanclub aufbauen, buchstäblich sogar im Schlaf, wenn Sie das Lied haben entschied sich für die Deckung war in angemessener Nachfrage.

Von dort aus können Sie auch einen MP3-Download Ihres Coversongs mithilfe von Anmerkungen und Links in der Videobeschreibung verkaufen, nachdem Sie die mechanischen Rechte an dem Song mithilfe eines Dienstes wie Easy Song Licensing und CDbaby gelöscht haben.

Mit den mechanischen Rechten können Sie Ihre Musik zum „Aufladen“ aufnehmen, veröffentlichen und zum Verkauf anbieten. Für jede Kopie, die Sie entweder digital per Download oder als physischer Titel auf CD verkaufen möchten, kaufen Sie eine Einheitslizenz und vergleichen Ihre Lizenzen mit den tatsächlichen Verkäufen, wobei Sie bei Bedarf zusätzliche Einheiten kaufen.

Die Bedeutung einer Investition in eine Musikkarriere

Sie werden sich wahrscheinlich fragen, warum ich speziell den „internationalen Markt“ erwähnt habe. Der Grund ist ziemlich einfach. Es sind die geltenden Urheberrechtsgesetze, die Ihre Arbeit schützen, und die Aufführungsrechtsgesellschaften, die Ihnen Lizenzgebühren für Ihre Werke zahlen. Dies ist der erste Grund für Sie, insbesondere Musik für Märkte zu schaffen, die Ihre musikalische Arbeit und damit Ihr Brot und Ihre Butter schützen. Der zweite Grund, warum geistiges Eigentum der Schlüssel zu Ihrem Erfolg im Musikgeschäft ist – auch wenn Sie keine eigenen Songs spielen – ist, dass Sie ein Resteinkommen verdienen. Eine der großen Einnahmequellen für Veröffentlichungen, die Sie als Songwriter verdienen, sind Performance-Lizenzgebühren. Ein noch größerer Einkommensstrom ergibt sich jedoch aus dem Musikverlag mit mechanischen Lizenzgebühren. Mit anderen Worten, jedes Mal, wenn ein von Ihnen geschriebener Song für den Verkauf auf CD hergestellt, von einer Einzelhandelswebsite für digitale Musik heruntergeladen, im Radio ausgestrahlt, über Dienste wie Spotify, Fernsehen, Film gestreamt und sogar in Bars und Clubs gespielt wird, werden Sie sind eine mechanische Lizenz geschuldet.

Wie hängt das alles mit den Vorteilen des Sprachtrainings für Songwriter zusammen? Als ausgebildeter Sänger kann ich Ihnen das umsonst sagen: Mit einer geschulten Stimme wird Ihre Fähigkeit, die Songs, die Sie sich vorstellen, zu basteln, viel einfacher und hilft, Ihre Fantasie in Dimensionen zum Leben zu erwecken, die weit über Ihre wildesten Träume hinausgehen. Ich nehme an, der einfachste Weg, dies auszudrücken, ist zu sagen, wenn die Magie in Ihnen ist und Ihr Stimminstrument Ihre Vision liefern kann, ist der Himmel wirklich die Grenze. Eine noch brillantere Möglichkeit, dies zu erklären, besteht darin, einen Künstler, der sich nur schöne Bilder vorstellen kann, diese aber nicht auf Leinwand zeichnen kann, mit einem zu vergleichen, der dies kann.

Was hat das mit Musik zu tun? Nun denke darüber nach. Nehmen wir an, Sie sind Musikkünstler, zum Beispiel Rapper und möchten Ihr Hip-Hop-Album verkaufen. Das erste, was Sie tun müssen, ist, einige Beats zum Verkauf zu finden. Dies kann zwischen 10 und 30 US-Dollar kosten, wenn Sie nach einem Mietvertrag oder einer nicht exklusiven Lizenz suchen. Okay, du hast einen Beat, jetzt musst du ein paar Texte schreiben. Sie kaufen also ein Notebook für 1 bis 5 US-Dollar und einen Stift für etwa 0,99 US-Dollar. Ohne es zu merken, haben Sie bereits 11,99 US-Dollar in Ihre Musikkarriere investiert. Sie sehen, wohin ich damit gehe. Nachdem Sie nun verstanden haben, was Investieren bedeutet, wollen wir uns damit befassen, in was Sie investieren sollten und warum es wichtig ist.

1. Studiozeit: Wenn Sie Ihren Gesang von einem Fachmann aufnehmen lassen, kann dies die Qualität Ihrer Musik erheblich verbessern. Die Leute wollen keine CD kaufen und Heimstudioqualität hören, sie wollen klare, klare Vocals hören.

 

 

2. Mikrofon: Wenn Sie lieber selbst aufnehmen möchten, ist die Investition in ein qualitativ hochwertiges Mikrofon sehr wichtig. Ich selbst benutze ein Shure SM7B-Mikrofon und es funktioniert wirklich gut für eine Vielzahl verschiedener Vocals, aber der Schlüssel liegt darin, das beste Mikrofon zu finden, das für Sie und Ihren Stil funktioniert. Die meisten Aufnahmestudios haben nicht nur ein Mikrofon, sondern auch eine Reihe verschiedener Mikrofone für verschiedene Songgenres und Gesangstöne. Zum Beispiel mag ein Mikrofon für Rap großartig klingen, aber nicht so gut für R & B, wo man hohe Noten schlagen muss. Eine Investition in ein gutes Mikrofon wäre also eine ziemlich gute Idee, wenn Sie selbst aufnehmen möchten.

3. Website: Die Zeiten, in denen Plattenlabels auf der Suche nach Talenten zu lokalen Shows und Auftritten gingen, sind vorbei. Jetzt müssen Sie in Tagen überall im Internet und in ihrem Gesicht sein, damit sie Sie überhaupt bemerken, und wenn Sie keine eigene Website haben, werden sie sich nicht einmal die Mühe machen, Ihre Musik zu hören. Außerdem ist eine Website eine großartige Möglichkeit, Menschen für Ihre Musik zu begeistern. Nehmen wir an, Sie verkaufen eine CD an jemanden auf der Straße. Cool! Aber warte, wie finden sie mehr von deiner Musik? Wie kaufen sie deine neuen Alben auf der ganzen Linie? Wenn Sie eine eigene Website hätten, könnten Sie Ihre Web-URL auf die CD schreiben, und wenn sie es mögen, könnten sie leicht mehr von Ihrer Musik finden! Stellen Sie also sicher, dass Sie in eine Website investieren.

4. Anzeigen: Facebook-Anzeigen sind eine großartige Möglichkeit, Menschen dazu zu bringen, Ihre Musik oder Ihre Website zu finden. Sie können etwas knifflig sein, aber wenn Sie es richtig machen, können Sie Ihre Konkurrenz schlagen und viele neue Fans dazu bringen, Ihre Musik zu hören.

Ich weiß, Geld auszugeben ist nicht einfach, aber wenn Sie Ihre Musikkarriere ernst nehmen, sind dies einige der Dinge, in die Sie investieren müssen. Und verprügeln Sie sich nicht, manchmal wird das Geld nicht komm erst später rein. Deshalb nennt man es eine Investition. Sie pflanzen einen Baum, dessen Wachstum Jahre dauern könnte, aber eines Tages werden Sie im Schatten dieses Baumes sitzen. Also nicht aufgeben und weitermachen!

 

Wegbereiter für eine erfolgreiche Musikkarriere

Heutzutage gibt es grundsätzlich zwei Möglichkeiten, sich physisch oder virtuell mit einem Produzenten zu verbinden. Wenn Sie sich physisch mit einem Produzenten verbinden, gibt es einige Dinge, die den Weg zu freier / erschwinglicher Musik und einer erfolgreichen Musikkarriere ebnen können.

Künstlerentwicklung. Wenn Sie einen Produzenten kennen oder kennengelernt haben, fragen Sie ihn, ob er derzeit einen Musikkünstler für die Entwicklung sucht oder einen Autor benötigt, der Songs / Konzepte für seine Musik schreibt. Manchmal versucht ein Produzent, einen Musikkünstler zu entwickeln, und verzichtet möglicherweise auf Gebühren und Entgelte, um etwas zu bauen, das eine noch höhere Kapitalrendite erzielt. In diesem Fall kann es hilfreich sein, eine Demo zu haben oder bereit zu sein, ihnen zu zeigen, was Sie zu bieten haben. Präsentieren Sie sich immer als professioneller Musikkünstler.

Sei bereit zu zahlen. Fakt des Lebens: Produzenten sind immer eher bereit, sich um zahlende Künstler zu kümmern. Produzenten können Sie automatisch „ausschalten“, wenn Sie scheinbar nichts zu bieten haben. Geld kann ein Ausgangspunkt für eine bessere Beziehung sein. Die Zahlungsbereitschaft für das Produkt des Herstellers kann seinen Respekt verdienen und zeigen, dass Sie bereit sind, in Ihren Traum zu investieren. Um einen Traum in die Realität umzusetzen, sind Investitionen erforderlich. Es kann vorkommen, dass Sie aufgrund Ihrer harten Arbeit und Kundenbindung eine Pause einlegen. Wenn die Gebühr des Herstellers zu hoch erscheint, fragen Sie, ob er bereit ist, einen Zahlungsplan auszuarbeiten. Dies zeigt dem Produzenten, dass Sie es ernst meinen, und er wird eher geneigt sein, Sie ernst zu nehmen. (Es ist auch eine gute Idee, bereits Geld zu sparen, wenn Sie Tracks kaufen möchten, seien Sie vorbereitet).

Habe schon ein Summen. Wenn Sie das Glück haben, eine nachweisbare Begeisterung zu haben, wenn Sie sich an einen Produzenten wenden, kann dieser den Wert einer Zusammenarbeit mit Ihnen erkennen. In diesem Fall ist die Exposition für beide Parteien gut. Dies kann eine Eintrittskarte sein, um die Stärke Ihres Rufs kostenlos zu produzieren, eine Belohnung für die Arbeit, die Sie bereits geleistet haben.

Warum Qualitätswaren für Bands und Künstler Priorität haben sollten

Qualität!!! Waren sollten von höchster Qualität sein. Die Kleidung, die verwendet wird, sowie die Tinte, die für den Druck verwendet wird, müssen einen hohen Standard aufweisen. Fans tun nicht, was sie tun sollen, um ihr hart verdientes Geld für ein Hemd auszugeben, das nach einer einzigen Wäsche einfach auseinander fällt, oder für einen Druck, der verblasst. Was mehr ist, wenn der gekaufte Artikel nicht von Dauer ist, kann dies zu einem schlechten Ruf führen und es besteht die Möglichkeit, dass sie Ihre Waren in Kürze nicht mehr kaufen werden.

 

 

Schlechte Nachrichten verbreiten sich wie ein Lauffeuer, und das möchten Sie vermeiden.

Hochwertige Produkte haben Priorität!

Zweitens ist das Design ein weiterer Faktor, der angesprochen werden muss; Es ist überraschend, wie viele Verkäufe aufgrund eines herausragenden Designs erzielt werden. Verkäufe können abgeholt werden, ohne dass eine einzige Spur gehört wird, indem einfach ein großartiges Design auf der Vorderseite des Produkts angebracht wird.

Eine weitere gute Idee ist eine begrenzte Auflage. Wenn ein Künstler bereits einige Anhänger oder Fans hat, könnte dies dazu beitragen, den Verkauf der Waren anzukurbeln. Fans sollten dieses Produkt mit beschränktem Angebot in die Hände bekommen, bevor sie alle ausverkauft sind.

Merchandise ist auch ein großartiges Werbemittel für jede Band oder jeden Künstler.

Stellen Sie sich das vor; Sie sind auf einem Musikfestival, einem Auftritt, einem Konzert oder auch nur einem zufälligen Abend. Sie sind entweder aus einem bestimmten Grund oder aus einem bestimmten Grund dort, d. H. – Sie sind bereit, mit Ihrer Lieblingsband / Ihrem Lieblingsmusiker zu rocken, oder Sie haben sich wirklich nur wie eine Veränderung der Landschaft gefühlt, oder Ihre Freunde haben Sie herausgezogen. Sie stolpern über den Warenstand, nachdem Sie eine bestimmte Band spielen gesehen haben. Du schaust aus dem Augenwinkel und siehst ein Oberteil, das deinen Namen schreit. Würden Sie es kaufen, wenn Sie sehen würden, dass es Müll ist? Wahrscheinlich nicht! Aber ich könnte Ihnen garantieren, dass Sie es kaufen würden, wenn Sie wissen, dass es von hoher Qualität ist, der Druck auffällt und die Band perfekt dazu passt.

Wenn du diese Band sein willst, bei der die Mehrheit ihrer Fans zu ihren Gigs oder Shows kommt, die ihre Waren tragen und bereit sind, mehr zu kaufen, warum nicht den höheren Weg gehen? Wählen Sie immer Qualität vor Quantität.

Am Ende des Tages wird es immer schwieriger, es als Vollzeitmusiker zu schaffen. Sie müssen jede Waffe in Ihrem Arsenal verwenden, um in dieser Cutthroat-Branche erfolgreich zu sein. Wenn Sie also die richtigen Merchandising-Optionen auswählen, die zu Ihnen oder Ihrer Band passen, geben Sie sich eine bessere Gelegenheit, Ihren Leidenschaften zu folgen.